Trouver son propre style de dessin ? Facile !

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Comment trouver son propre style de dessin ? 

Pour devenir graphiste, illustrateur, débuter des études de dessin et apprendre à dessiner, il faut choisir son propre style de dessin. C’est plus facile lorsque l’on a les bonnes informations.

Mais au fait c’est quoi exactement ? 

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Trouver son propre style de dessin

On appelle style de dessin ou style graphique, le petit quelques chose qui fait que les dessins d’un artiste sont reconnaissables et uniques. Certains parlent de traits, d’autres de coup de crayon ou de signaux graphiques distincts. En bref c’est ce qui définit l’identité d’un illustrateur, l’âme d’un artiste.

En tous les cas certaines oeuvres sont tellement “stylisées” que leurs auteurs qui les ont dessiné, sont passés à la postérité. C’est le cas de certains dessinateurs de BD, dessinateurs de presse, peintres, architectes, animateurs de dessins animés…

Astuce : Identifier ce que vous aimez dessiner et ce qui vous semble intuitif est un bon début pour trouver son style.  

Bon c’est bien ça, mais alors, quels sont les différents styles de dessins ?

Tous les styles de dessin

Le style du dessinateur dépend beaucoup de son activité et de ce qu’il souhaite dessiner. Quel que soit votre niveau, vous posséder déjà un coup de crayon. Voici donc plusieurs formes de dessin.

01. Le dessin humoristique : 

Aussi appelé dessin de presse, le dessin d’humour est une forme graphique directement inspirée du quotidien ou de l’actualité. Les dessinateurs de presse aiment particulièrement mettre en lumière des sujets délicats et parfois brûlants de l’actualité alors que certains dessinateur d’humour préfère illustrer de manière légère des phénomènes de société. L’humour est également un excellent moyen de faire passer un message. Voilà pourquoi je l’utilise pour la création de dessins d’entreprise. 

Astuce : Le succès d’un bon dessin d’humour repose plus dans la chute de la blague que dans le style graphique.

02. La caricature :

La caricature est un cousin germain du dessin humoristique puisqu’il consiste en l’exagération des traits de certains personnages. En France il est courant de trouver des caricatures des hommes politiques ou de personnages publiques. Le cartoon est une certaine forme de caricature puisqu’il exagère souvent les proportions rendant la création moins réaliste. 

On peut considérer les fans art comme des caricatures des oeuvres originales.

03. La bande dessinée

Aussi appelé 9ème art, la BD fait parti des formes de dessin les plus populaires du XXIème siècle et englobe, le manga, les comics, les cartoons et la BD réaliste. La bande dessinée permet d’illustrer le déroulement d’une action dans des cases pour raconter une histoire de manière chronologique. 

Astuce : Découvrez comment créer une bande dessinée de A à Z 

04. Le dessin d’observation 

Ce type de dessin est réaliste puisqu’il repose sur la capacité à reproduire avec fidélité ce que l’on observe. La caractéristique principale des dessins réalistes est la reproduction exacte : de la forme, des proportions, des perspectives, des effets de lumières et des ombrages. 

Astuce : Pour un dessin d’observation, l’artiste concentre son attention à 80% sur son modèle et à 20% sur son dessin. 

05. Le dessin technique

Certains dessinateurs professionnelles sont plutôts carrés. C’est le cas de certaines professions comme les dessinateurs projeteurs, les architectes ou les designers. Leur rôle est de concevoir des produits et de les matérialiser sur une feuille. 

Le dessin technique ou industriel répond à certains codes et exigence. En effet il existe des normes à respecter comme le cartouche, les cotations, les légendes, les vues, les coupes et bien d’autres subtilités. Pour pallier à la difficulté de précision et de détails, de nombreux dessins techniques sont aujourd’hui, réalisés par informatique. 

Voici quelques logiciel de DAO dessin assisté par ordinateur : AUTOCAD, SOLIDWORK…

06. Le dessin animé 

L’animation 2D est un type de dessin à part entière répondant à ses propres codes. Le dessin animé est en réalité une succession d’image superposées très rapidement pour donner l’illusion de mouvement. Cette forme de dessin est basé sur le mouvement et découpe les différentes positions du corps lors d’un mouvement. Le travail d’animation est un  gros travail qui requiert souvent de très grandes équipes.

Astuces : Un des acteurs les plus côtés en matière d’animation est le studio Ghibli

Les éléments de style graphique

En plus de l’approche, un style dépend d’autres éléments qui le rendront unique : 

Notre personnalité :

Cela peut surprendre et pourtant notre personnalité peut directement impacter notre dessin. Êtes-vous patient ou plutôt pressé ? Rien que cette caractéristique prend du sens lorsque l’on sait que dessiner peut prendre plusieurs heures et parfois plusieurs jours. 

Astuces : Notre attention joue un grand rôle pour prendre conscience de nos points faibles et les corriger.

Dessiner nos références artistiques :

L’enfant apprend en imitant les adultes et le dessinateur progresse par l’observation. Nos références artistiques jouent un grand rôle dans la recherche de notre art. Réfléchissez aux artistes qui ont marqué votre imagination étant enfant. Ils restent graver dans notre mémoire.

Pour ma part mes créations de bandes dessinées sont fortement influencées par la bande dessinée Franco-Belge.

L’espace de travail : 

Notre environnement peut également avoir un impact sur nos résultat. Aimez-vous créer sur un espace propre et rangé ? Préférez vous faire des croquis à la terrasse d’un café, vous retrouver dans un atelier calme, ou peut-être en pleine nature ? 

Astuces : Optez pour une bonne chaise de bureau, une table à dessin inclinée et peut être une tablette graphique dernier cri. 

Le savoir dessiner : 

L’expérience de l’illustrateur joue également un grand rôle puisqu’avec le temps, le style du dessinateur évolue, change et s’améliore. La maîtrise d’une technique ou d’un outil graphique permet parfois une différenciation importante d’un style graphique à un autre. 

Astuce : Apprendre différentes méthodes permet de se différencier et parfois d’innover.

La couleur : 

En matière de coloration il existe de nombreuses formes de peintures comme l’aquarelle, la gouache, la peinture à l’huile, l’encre de chine, les feutres, les crayons de couleurs… Ou peut-être que vous faîtes partis de ces nouveaux illustrateurs très habile avec une tablette graphique. 

Astuces : Vous pouvez remplacer les couleurs de vos volumes par des textures afin de leurs donner plus de réalisme.

Le matériel de dessin :

Préférez vous dessiner, au crayon, au stylo à bille, au fusain, à la plume, au feutre, au pinceau ? Il existe une multitude d’outils de dessin et médiums que je vous propose de découvrir ci-dessous.

La technique et le matériel de dessin. 

Le “trait” c’est ce qui définit le mieux un grand artiste. Aimez vous les traits pleins, vides, tremblants, net, précis… Le trait est la marque de fabrique d’une identité graphique

Le facteur influençant probablement le plus le trait et le style des dessinateurs est le médium qu’ils utilisent et la technique qu’ils en ont. 

Voici quelques outils de dessins et leurs spécificités. 

Le fusain

A partir de cette tige de charbon de bois, les dessinateurs excellent dans la création de portrait mais aussi de croquis et d’études. Malgré sa fragilité et son côté salissant, le fusain reste un outil de choix pour l’artiste car il s’estompe facilement avec le doigt et offre une grande liberté de traits : pleins vides, marqués ou légers. 

Le crayon de papier

Le critérium, graphite ou crayon de papier représente le standard du dessin. En effet, il offre des caractéristiques similaires au fusain. On utilise des crayons plus ou moins gras en fonction de ses besoins. 

Bien que moins graphique, il reste très pratique et s’adapte à tous les styles graphiques. Il est idéal pour commencer à dessiner car, on peut le gommer facilement et obtenir des effets graphiques comme des contrastes très réalistes. Le crayon est l’outil idéal pour réaliser des brouillons et même des créations plus abouties. 

Astuce : Le crayon de papier représente encore souvent la première étape de toutes créations graphiques. 

Le stylo à bille 

Le stylo, tout comme son homologue le crayon s’adapte à toutes les formes graphiques. Il a toutefois la spécificité bien particulière de ne pas s’effacer. Au stylo chaque trait est permanent ! Le stylo à rapidement remplacé la plume du XXème siècle car il est beaucoup plus pratique. Moins salissant et plus simple d’utilisation il a pris une place importante dans nos vies.

Astuce : Le stylo permet de repasser les brouillons pour donner au trait un caractère permanent. 

Le pinceau et la plume

Bien que passé de mode, les pinceau et la plume reste de formidable outils de dessin qui ont marqué l’histoire de l’humanité. La plume est un outil semi rigide qui comme le pinceau offre une grande liberté de traits pleins/ vides apportant une grande technicité et vie au dessin. 

La tablette graphique 

Fraîchement arrivé dans l’arsenal du graphiste et accompagné de logiciels informatique, la tablette compte de plus en plus d’adeptes. Et pour cause ses nombreux avantages comme la multicité des outils disponibles (brosses, calques, couleurs, retour en arrière, zoom). Les avantages de l’informatique ne sont plus à prouver et je vous recommande vivement de vous procurer une tablette graphique

Astuce : Pour utiliser votre tablette je vous conseille de télécharger le logiciel Krita, entièrement gratuit. 

Les décisions artistiques 

Alors pour quel outil avez vous opté ? Quelle technique de dessin vous semble la plus adaptée ? Peut être allez vous mélangé les outils ? Dîtes le moi en commentaire. 

Quelque soit votre choix, d’autre éléments influencent la forme de dessin. 

La palette de couleurs 

Comment utilisez-vous vos couleurs ? La palette de couleurs que vous utilisez joue un grand rôle pour trouver votre propre style. Une palette de couleurs propose des teintes, vives ou pastels, couleurs complémentaires 

IMAGE CERCLE CHROMATIQUE DES COULEURS.

Une couleur vive au milieu d’un fond claire ou terne permet de faire ressortir visuellement un élément. Les couleurs complémentaires peuvent avoir le même effet. Un bleu ou violet se démarquera automatiquement sur un fond jaune. 

Astuce : Certaine couleurs évoquent inconsciemment certaines émotions, le rouge pour la colère ou l’amour et le vert pour la paix et la créativité…

La méthodologie 

Votre “patte” dépend nécessairement de la méthode que l’artiste utilise. Comme le choix des outils, les étapes de créations rendent chaque oeuvre unique. Un peintre pourrait utiliser sa peinture pour faire un pooring ou alors l’appliquer méticuleusement sur sa toile en pointillisme. Pour ma part je dessine au crayon, encre au stylo avant de numériser mes planches de BD. Une fois sur l’ordinateur, je repasse une seconde fois à la tablette avant d’ajouter les ombres, les lumières puis les couleurs.

Astuce : L’important à cette étape est de rester ouvert et créatif pour ouvrir son champ des possibles et devenir plus créatif. 

La thématique 

En plus de la technique, nos dessins dépendent grandement de notre interprétation. A moins de dessiner de tête ou par pur imagination, le modèle que l’on utilise influence grandement le style. Est ce que l’on utilise une photo, une BD, un modèle précis ? 

Sélectionner un modèle qui nous plait c’est déjà choisir parmi toutes les formes de dessin qui existent. La plupart des dessinateurs dessinent à partir de modèles et s’inspire soit du travail des autres, soit de photographie et d’études graphiques réalisées au préalable. La documentation et l’inspiration de plusieurs sources graphiques est indispensable pour une évolution du style.

Astuce : Observer attentivement les détails de nos modèles permet d’ajouter facilement des détails à nos créations pour les améliorer. 

Les formes graphiques et les codes. 

Que ce soit dans un tableau ou une bande dessinée, il existe souvent plusieurs niveaux de lecture à une oeuvre. Comme les images subliminales, les couleurs ou les formes géométriques qui peuvent avoir des symboliques très fortes et une interprétation propre. 

Par exemple, les formes asymétriques et les fractales représentent ce que l’on trouve dans la nature comme un paysage, un arbre, une chaîne de montage… Au contraire les formes symétriques s’approchent plus de l’homme et de ses créations avec des volumes plus rationnels et plus symétriques. En art abstrait, les formes arrondies évoquent la douceur alors que les points d’un carré seront plus agressives. 

Astuces : Utiliser le nombre d’or qui correspond à une proportion parfaite de 1.618033…. C’est le rapport idéal d’une longueur par une largeur selon la psychologie humaine. 

La différence entre copier et s’inspirer

Bien souvent lorsque l’on apprend à dessiner, on peut être victime du syndrome de l’imposteur et se demander si l’on a le droit de copier. Premièrement la copie d’une oeuvre dans le cadre d’un exercice et dans une volonté de faire évoluer le style est tout à fait bénéfique. Les plus grands maîtres du dessin ont débuté de cette façon. La copie est un excellent exercice pour apprendre et développer son oeil et son sens de l’observation.

La copie ou le plagiat, à moins d’être une reproduction à l’identique est avant tout une affaire de perception. En reproduisant machinalement les oeuvres d’un artiste, on s’expose au risque de se coincer dans un style plagiat. Pour pallier à cette problématique, l’idéal est de s’appuyer sur différents modèles de différents styles artistiques. Ainsi votre trait restera unique. 

Progresser et trouver son style 

Comme dit le proverbe, on a rien sans rien. Comme pour un sport ou pour la musique, le dessin est un discipline exigeante et pour devenir un virtuose du crayon, il vous faudra un bon entraînement. Toutefois, contrairement à la célèbre phrase qui dit : dessiner, encore et encore et encore, j’ajouterai quelques nuances pour vous aider à progresser.

La recherche 

Pour progresser, rien ne vaut un bon modèle et la recherche d’image, de tutoriels et d’autres artistes permets de nourrir son imaginaire autant que son envie de se perfectionner dans l’art du crayonné. 

Astuce : Trouvez des modèles qui vous plaisent. 

L’observation 

Le dessin est un reproduction ou tout au moins une matérialisation de ce que l’on voit.

 Apprendre à observer les angles, les volumes, les proportions sont des clés pour progresser. Observez comment les ombres et lumièrees sont portées sur un visage. Prenez un instant pour analyser les plis d’un vêtement. Apprécier les volumes et la perspective d’une table dans une pièce. L’observation rend le dessin plus facile puisqu’elle est étroitement liée à la reproduction.

Astuce : Simplifier aux maximum les formes des dessins soit en dessinant des blocs soit en dessinant les contours

La reproduction 

Pour vous entraînez, copier les travaux de vos idoles. Si quelqu’un vous traite de plagieur c’est que vous avez acquis un certain niveau de graphisme et d’une certaine manière vous pouvez vous en félicitez. Gardez tout de même de longues séance de créations pour développer votre imaginaire. 

Astuce : Pour que la reproduction reste saine, changez régulièrement d’artiste et de modèles.

La régularité. 

L’assiduité est également un des secrets des grands dessinateurs. La vérité est qu’ils dessinent tous les jours, depuis des années et ils apprennent encore. Soyez passionné par le dessin et vos progrès seront importants. Soyez assidu et régulier et vos progrès seront impressionnants. 

Astuces : Acceptez des projets extérieurs pour vos proches afin de sortir de votre zone de confort. Lancez-vous des challenges, participez à des concours.

Conserver ses anciennes oeuvres. 

Je conserve précieusement l’ensemble de mes dessins. Au delà la valeur sentimentale, se faire un portefolio est un excellent moyen de suivre l’évolution de son trait. Un portefolio permet aussi de visualiser ses progrès et d’être plus heureux et donc plus motivé pour produire 🙂

Astuces : Conservez toujours avec vous un carnet pour décider au moindre temps libre. 

Échouez souvent !

Même si cela peut paraître absurde, l’échec est une vertu car il est synonyme d’expérience et par conséquent de progrès. En plus d’accroître notre résistance et notre endurance l’échec est ce qui favorise la remise en question, le changement et donc l’évolution de votre style. 

Combien de temps pour trouver mon style ? 

Il n’y a pas de réponse précise à cette question, puisque le trait évolue dès que l’on dessine. La réponse dépend plus du temps et de l’attention que vous consacrerez à la création. Toutefois, il est courant d’entendre parler de la règle des 10 000 heures. Cette règle stipule que 10 000 heures pratiques font de vous une expert dans un domaine. Cette période sera donc un excellent prétexte pour apprendre à maîtriser les bases tels ques les perspectives, les volumes, les proportions… 

Allez, à vos stylos et à bientôt !

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