Dessin visage manga – Facile

Avant toute chose, il existe de nombreux styles de dessin manga. On peut réaliser un visage réaliste pour un personnage de Seinen ou un visage cartoon pour un personnage de shonen. Tout est possible.

Que nous dessinions un visage d’homme de femme ou d’enfant la méthode sera toujours la même. Seuls le dessin des détails varie entre les différentes têtes. Commençons donc par définir une constante du dessin de personnage manga : le point de vue.

Il existe différents points de vus qui affectent la manière de dessiner un visage de manga.

Si cet article vous plait n’hésitez pas à me contacter pour prendre des cours de dessin Aix-les-Bains. Pour organiser un cours collectif contactez-moi pour organiser un atelier manga.

Les étapes pour dessiner un visage de manga

1. Dessiner un cercle
2. Tracer les lignes des éléments du visage
3. Tracer le contour de la machoire
4. Placer les éléments du visage
5. Dessiner les yeux et les oreilles
6. Ajouter les cheveux et le cou
7. Finaliser avec les détails
8. Encrer le dessin du visage

Dessin manga – Visage de face

Pour un dessiner un visage vue de face, il est préférable de savoir que la forme d’un visage d’homme varie légèrement de la forme d’un visage de femme ou de celle d’un enfant. On fera également varier la forme et la longueur des yeux, des cheveux et peut être de la bouche. Cela facilite grandement la construction du visage puisque le visage d’un homme ou d’une femme sont relativement similaire.

Sachez aussi qu’une vue de face se construit principalement à partir d’un axe de symétrie verticale.

Voici les différentes étapes à suivre – niveau de dessin facile.

1. Tracer un cercle

Représenter un cercle à main levée.

2. Tracer les repères du visage

Diviser le cercle en son centre à l’aide du ligne vertiale et d’une seconde horizontale.

Tracer 3 ligne supplémentaires pour découpe la partie inférieur en quatre bande horizontales

3. Représenter la mâchoire

Représenter la mâchoire du visage.

La distance entre le bas du cercle et la partie inférieur de la machoire est d’environ 1/4 de du diamètre du cercle.

4. Dessiner les formes de base

Utiliser les repères pour positionnner les formes simplifier des éléments de la figure.

Représenter les oreilles et les yeux du personnage.

En partant du haut, dessiner les sourcils sur la deuxième ligne.

Placer les yeux entre les deux dernières lignes.

Dessiner le nez dans la partie inférieure du cercle.

Ajouter la bouche avec un simple trait courbé.

5. Détailler le visage

Ajouter un petit trait pour la paupière.

Ajouter le détails dans les oreilles.

Diviser l’oeil entre l’iris en blanc et la pupille en blanc. Penser à laisser un réhaut avec une petite tâche blanche.

Dessiner le cou.

6. Dessiner des cheveux

Représenter les cheveux au dessus du crâne et sur les côtés.

Définir le point de départ des cheveux et la raie.

Dessiner quelques courbes pour représenter un début de coiffure.

Penser à dessiner les cheveux jusqu’en dessous des oreilles.

Le mangaka préfère généralement séparer les mèches sur le front pour qu’elles ne recouvrent pas les yeux.

7. Finaliser le crayonné

Ajouter les derniers détails en fermant la chevelure.

Hachurer les zone d’ombres avec des traits sec et toujours orientés dans la même direction.

L’ombre sous le cou et sous les cheveux apporte du relief à votre création.

8. Repasser à l’encre de Chine

Une fois terminé, il est temps d’encrer le dessin et au stylo noir, à l’aide d’une plume, d’un pinceau ou d’une talette graphique.

Ne pas hésiter à faire un trait plus épais pour les contours extérieurs du personnage.

9. Ajouter la couleur

Finaliser la figure en ajoutant un belle couleur chair pour la peau.

Pour les cheveux, préférer une teinte qui contraste bien avec la couleur de la peau.

Ajouter les ombres sur le visage et la chevelure.

Finaliser avec un réhaut plus clair dans les cheveux pour créer une impression de reflet brillant.

Dessiner un visage de profil style manga

Dans cette deuxième partie, nous allons apprendre à représenter la bouille d’un personnage de profil. Une vue de profil est plus simple

1. Dessinez un rond

Représenter un cercle qui servira de base pour dessiner la figure du personnage.

2. Tracez les lignes de repère

Divisez le cercle en quatre quarts de même surface. Puis découper la partie inférieur du cercle en 4 bandes de même largeur.

Ces repères nous aiderons par la suite à positionne les élements du visage.

3. Dessinez le nez et le menton

Dessinez un courbe creuse qui s’éloigne du cercle.

Le nez rebique lorsque la courbe atteint le dernier repère horizontale.

Tracez ensuite une nouvelle ligne vers le bas avec une petite bosse pour la bouche.

Finalisez cette étape en dessinant une courbe qui remonte vers le cercle.

4. Ajoutez les yeux, bouche et oreilles

Positionnez maintenant les élément d’une figure.

Dessinez le sourcil sur la deuxième ligne.

Placez l’oeil sur la troisième ligne.

Alignez l’oreille sur la ligne verticale et placez la sur la même ligne que l’oeil.

5. Représentez les détails

Dessinez le cou en partant du milieu de la machoire et de l’arrière de la tête.

Ajouter la pupille et le réhaut de lumière dans l’oeil.

Finalisez l’étape en dessinant la paupière et le détail de l’oreille.

6. Dessinez les cheveux

Ébauchez une chevelure sur la tête en dépassant du cercle de construction.

Pensez bien faire descendre les cheveux devant les oreilles.

7. Finaliser le crayonné

Terminez le personnage en ajoutant les derniers détails sur la chevelure.

L’ajout d’une ombre sous les mèches de cheveux et sour le coup apportera du relief à la création.

8. Encrage du sketch

Pour conserver le trait définitif, on procède à l’encrage au crayon noir ou à l’encre de Chine.

Repassez les contour du crayonné, puis gommez le crayon pour faire apparaître le trait final.

9. Colorez le personnage

Apportez la touche finale à votre création en ajoutant la couleur.

La tablette graphique apporte des résultats très esthétique.

La peinture et les crayons de couleurs ou feutres poska permettent un dessin traiditionnelle.

L’option noir et blanc offre également de bons résultats. Mais vous devrez peut être travailler les applats de noir et les hachures pour créer de beaux contrastes.

Dessiner un visage de trois quarts

Passons maitenant à un aspect plus difficile du dessin de figure humaine. La vue d’un visage en perspective pose bien souvent quelques problmes au dessinateurs en herbe. Mais rassurez-vous, en décomposans chaque étape calmement, nous obtiendrons coup sur un visage de trois quarts résussi.

Apprenons pas à pas les différentes étapes à suivre – niveau de dessin intermédiaire.

1. Représentons un cercle

La première étape, assez simple, consiste à tracer un cercle.

2. Plaçons les repères

Divisons notre cercle en deux moitiés égales.

Séparons ensuite la partie inférieure à l’aide de 4 lignes horizontales.

Ces nouvelles lignes nous servirons de repère pour positionner les yeux, les sourcils, les oreilles, le nez…

3. Positionnons la machoîre

Cette étape est décisive pour la forme générale de la tête.

Dessinons une ligne courbe descendant vers l’emplacement du futur menton.

En partant de la deuxième ligne, traçons la joue puis le menton en prenant le soin de bien casser la courbe en deux trait d’angle distinct.

Remontons ensuite de l’autre côté pour finaliser le bas du visage.

4. Dessinons les yeux de biais

À cette étape, une figure humaine commence à prendre vie.

Servons nous des repères et de la courbe centrale pour ajouter les différents éléments du visage.

Prenons bien garde de ne pas traçer les yeux de la même taille. En effet, la perspective d’un visage de biais déforme les distances entre les différents élements. (Un des yeux touche la courbe, mais pas le second).

5. Finiolons avec des petits détails

Ajoutons une petite forme dans la partie inférieur de l’oeil. Cette forme représentera l’iris.

Une petite tâche blanche dans l’iris apportera un peu de vie au regard.

Dessinons les oreilles au niveau des yeux.

Ajoutons les paupières.

6. Coiffons la tête du personnage

Dôtons notre personnage de la forme générale de sacoiffure.

Traçons la raie des cheveux, et les mèches générales.

Ajoutons le coup du personnage. Celui-ci débute à la base arrière de la tête avec une courbe intérieure.

7. Voici un personnage de shonen !

C’est presque terminé, il ne reste qu’à ajouter les derniers éléments pour finaliser ce personnage !

Refermons les mèches de cheveux et ajoutons une ombre sous le cou et sous certaines mèches de cheveux pour finaliser le crayonné !

8. Reppassons à l’encre noir

Félicitations notre personnage de shonen à l’air vivant !

Imortalisons notre crayonné en reppassant les traits à l’aide d’un crayon noir, d’une plume ou d’un pinceau avant d’y ajouter la couleur.

9. Finalisons avec des couleurs

Bravo après l’effort, le réconfort ! Terminons notre oeuvre d’art en y ajoutant des couleurs chairs pour la peau !

Pensez à ajoutez quelques ombres sous les visage pour leurs donner plus de profondeur et de réalisme.

Dessiner un visage de femme

Désolé revenez plus tard ce tuto visage de femme n’est pas encore prêt.

Dessiner un visage Chibi

Désolé revenez plus tard ce tuto visage chibi n’est pas encore prêt. (Ca fait un peu réponse de PNG dans un jeu vidéo…)

La coupe de cheveux

Vous savez désormais représenter la face d’un personnage. Mais nous devons maintenant créer une coiffure. Je vous présente une méthode simple avec laquelle, je dessine des cheveux sur un homme ou une femme. La seule différence notable réside dans le détails des mèches finales et la longueur des cheveux.

Pour faciliter le processus, il suffit de décomposer la chevelure en étapes simple à créer.

À partir de la forme d’une tête, je dessine les différentes bandes d’implantation de cheveux sur le crane.
Cela me facilite la tâche pour représenter des coiffures d’homme ou de femme. Je définie donc bande de cheveux comme étant les zones avec la racine des cheveux. Quel que soit le sexe, l’implantation de cheveux est presque identique chez un garçon ou une fille.

Voyons à présent comment les bédéistes dessinent ces bandes de cheveux !

1. Faire la forme de la tête

Comme pour les tutos ci-dessus, je dessine un rond, puis les repères de constructions et finis par représenter la mâchoire.

2. Ajouter les organes sensoriels

Grâce aux repères de construction, je dessine à chaque fois et sans me tromper les yeux, la bouche, les oreilles, le nez.

Cela permet de conserver des proportions identiques d’un dessin à un autre, ou d’une case de BD à une autre.

3. La première bande de cheveux

Comme vu en introduction de ce chapitre, je délimite des zones représentant l’implantation des cheveux sur le crâne.

La première bande de cheveux, se situe devant les oreilles.

Elle part de la ligne du centre du cercle puis descend en pointe jusqu’au milieu de l’oreille.

Elle est symétrique de chaque côté.

4. La seconde bande de cheveux

Je trace au crayon une nouvelle zone au niveau des tempes du personnage. Celle-ci s’imbrique dans la première bande.

J’aime appeler la seconde bande de cheveux la bande du vieux. C’est plus facile à retenir et cela correspond à l’implantation de cheveux d’une vieille personne qui aurait le sommet du crâne dégarni.

Alors pour réussir cette étape pensez à un grand père !

5. La troisième bande de cheveux

Cette nouvelle étape est facile et consiste simplement à relier les deux bandes du vieux.

Je relie les deux bandes avec un léger arc de cercle.

C’est la bande du jeune, car c’est quand on est jeune que l’on a des cheveux sur la tête !

6. Le volume des cheveux

Maintenant, je dessine un arc de cercle en reliant les oreilles et en contournant le dessus du crâne.

Cette nouvelle bande s’appelle le casque, car on dirait que c’est ce que porte le personnage.

J’obtiens ainsi le volume nécessaire pour la chevelure.

En effet, les cheveux ne sont pas plaqués sur la tête, ils se dessinent épais et volumineux, surtout quand on est jeune !

7. Les mèches et la longueur

Félicitations, nous touchons au but ! À ce stade, le cheveux sont dessinés par dessus les bandes précédentes !

Je détermine le point de départ des cheveux au sommet de la tête.

Ensuite, je dessine une frange devant le front du personnage.

J’ajoute ensuite de la longueur de cheveux au niveau de la bande du vieux et derrière la tête.

La technique peut varier selon la forme des cheveux que vous souhaitez.

Pour les mèches commencer par tracer la trajectoire de chaque mèches. Enfin, je complète les pointes de cheveux.

8. Encrage et infos pratiques

Bravo, vous êtes arrivé jusque là ! Vous connaissez désormais ma technique pour faire des cheveux de filles !

Pour une coupe de garçon, je réduis simplement la longueur de cheveux à l’arrière de la tête.

Dans ce cas précis, le sujet est immobile, mais en général, les cheveux réagissent directement au vent, à la pluie, aux accessoires et à l’inclinaison de la tête.

Repasser à l’encre de chine.

9 Les couleurs de la coiffure

La couleur apporte également beaucoup au dessin. Même si certains professionnels utilisent des trames pointillés pour représenter la profondeur, j’ai choisi de vous parler de la couleur.

Je peins les cheveux avec un aplat de couleur unique pour délimiter la zone sur mon logiciel de dessin.

J’ajoute ensuite une nouvelle teinte en jouant sur les contrastes grâce à une couleurs plus sombre. Cela rajoute de la profondeur au dessin.

Enfin, une petite touche de lumière avec une teinte plus claire donne plus de vie aux coupes de cheveux.

Le reflet que l’on voit dans les cheveux s’appelle le rehaut.

Pensez à l’ajouter pour finaliser votre nouvelle coiffure !

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Bulle de bande dessinée 

Une bulle de bande dessinée est un moyen graphique utilisé en dessin de presse, illustration roman graphique et 9e art. Cet élément permet aux personnages de BD de dialoguer, penser, exprimer des émotions et apporte des informations sur le scénario. 

La bulle de bd est donc un élément indispensable à connaître tout comme les cases, le personnage ou les décors.

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Commençons ce tutoriel de dessin en étudiant les étapes de dessin des bulles de BD.

Dessiner une bulle de BD

1. Choisir le texte de la bulle bd, vérifier l’orthographe, positionner la bulle.
2. Mesurer les repères et tracer les lignes pour le texte.
3. Écrire les dialogues en disposant chaque mot harmonieusement.
4. Dessiner la bulle de dialogue (un ovale) autour du texte.
5. Ajouter l’appendice (pointeur) vers le personnage.
6. Repasser le dessin à l’aide d’un stylo noir ou d’une plume.

PS : Pour faire des bulles à l’aide d’un ordinateur ou d’une tablette graphique le procédé est très similaire. Utiliser une police lisible et inscrire les caractères en capitales (majuscules).

1. Préparer le texte de la BD, placer la bulle BD

Lorsque l’on crée une bande dessinée, il est judicieux d’anticiper un maximum. Cela permet de gagner du temps et d’éviter de recommencer plusieurs fois la même tâche. C’est pourquoi on utilise un script ou un scénario.

Le texte est toujours préparé en amont, soit par un scénariste, soit par l’auteur qui inscrit le descriptif de la case et chaque réplique du personnage dans le script.

Le fait d’utiliser un script permet de se concentrer sur la question de la position du phylactère au sein de la case.

Qui dit bande dessinée dit également orthographe irréprochable. Penser à vérifier chaque réplique et faire relire les dialogues par ses proches, un éditeur ou un correcteur.

Astuce : Des textes sans faute d’orthographe est un signe de professionnalisme auprès d’une maison d’édition.

La composition de la planche

En bande dessinée, la composition d’une planche désigne l’assemblage des différents éléments de la page. 

La bulle de bd est un élément important et doit donc s’intégrer au mieux dans une case afin d’être rapidement détectée par le lecteur.

En règle générale, on détermine la position de la bulle et des autres éléments de la case lors de la création du “storyboard”.

Positionner la bulle de bd dans la case

La bulle est un élément de première importance. Elle doit donc disposer d’une place de choix dans la composition de la planche.

Diviser la case en tiers est un excellent moyen de définir les points d’attention du lecteur. En effet, le regard est attiré par les intersections des ces tiers.

La bulle est un élément graphique plus important qu’un personnage ou un élément de décors. En effet, sans bulle, on ne parle presque plus de bande dessinée.

Le sens de lecture

Pour placer convenablement un ballon dans une case, on réfléchit au sens de lecture.

En France, on lit de haut en bas et de gauche à droite.

Les bulles se positionnent donc naturellement de gauche à droite et de haut en bas.

Attention : ne pas respecter cette règle peux générer des confusions et une incompréhension de l’ordre de lecture des dialogues.

L’ordre de parole des personnages. 

En plus du sens de lecture, on réfléchit à l’ordre de parole des personnages. 

La bulle du premier personnage qui parle prend place en haut à gauche de la case. La bulle du second personnage se situe en dessous et plus à droite du premier ballon.

Les bulles se positionnent naturellement en fonction de l’ordre de parole, du nombre de protagonistes et de leur position dans la case.

Dans le cas d’un chaînage de bulles, on applique le même principe.

Un cas particulier

Même si je déconseille d’utiliser cette astuce, il existe un cas particulier. En effet si le premier personnage à parler se trouve à droite, alors la bulle se positionnera au dessus de la bulle du second interlocuteur. Voir exemple ci-contre.

À mon avis, cela relève plutôt d’une erreure de mise en page.

Des complications peuvent se présenter dans le cas d’un chaînage de bulles et par conséquent de chevauchement des bulles et pointeurs, difficiles à comprendre pour le lecteur.

Le découpage des textes

Le découpage des textes est un élément important qui facilite la lecture. Chercher un équilibre entre écrire sur une seule ligne et découper le texte sur plusieurs lignes. Pour cela, utiliser la logique en découpant le texte naturellement et de manière à peu près égale. Les virgules et les points sont des repères naturels de césure.

Faire des phrases courtes, espacées et faciles à lire.

Éviter de couper les mots avec des retours à la ligne en plein milieu d’un mot. C’est autorisé, mais cela rend la lecture plus complexe.

2. Tracer les lignes de repères

Pour réaliser une bulle manuscrite à l’aide du dessin traditionnel, on utilise des repères horizontaux. Étudions donc comment représenter des guides pour positionner les textes.

Pour commencer, se munir d’une règle de 20 à 40 cm et d’un critérium.

Sur les côtés droites et gauches de la case mesurer et marquer une série de repères désignant l’espacement des différentes lignes de textes ainsi que des intervalles.

Astuce : Utiliser un critérium avec une mine de 3 mm permet de tracer des repères plus fins et plus précis.

Voici un gros plan des cotes utilisées pour tracer les repères sur la case.

• 0.5 cm d’espacement entre le haut de la case et la ligne supérieur de la première phrase. C’est important pour laisser respirer le texte.
• 0.3 cm pour chaque ligne normal de dialogue. On choisira une cote plus importante pour faire crier un personnage.
• 0.1 cm d’interligne pour séparer chaque ligne de dialogue.

Si vous êtes amateur ou que vous débutez, alors choisissez des espacements plus importants : 0.4 à 0.5 cm pour les lignes et 0.2 cm pour les interlignes.

Utiliser la règle pour tracer les différentes lignes en reliant les repères de chaque côté de la case.

Dans le cas d’une scène sans case, le principe reste le même. Il suffit simplement de reporter les repères de mesure sur le côté de la feuille et le tour est joué !

3. Écrire le texte de la bulle de dialogue

À présent que les lignes sont tracées, on peut inscrire le texte. Pour créer une bulle harmonieuse et un équilibre des textes entre chaque ligne il est nécessaire d’anticiper un peu.

Astuce : Avant d’inscrire le texte, faire semblant d’écrire pour déterminer la position de chaque mot (ça évite de gommer). Si une phrase est trop longue, ne pas hésiter à revenir à la ligne et même parfois changer le texte.

Le texte doit être équitablement répartis à droite et à gauche et entre le haut et le bas pour donner un sentiment d’harmonie.

Tout est possible en matière de police, toutefois les grands maîtres de la bd franco-belge tels qu’Uderzo, Hergé ou Franquin écriront toujours les textes de la bande dessinée en majuscule. Cela assure une meilleure lisibilité et clarté de chaque caractère.

Les mêmes règles s’appliquent pour une écriture numérique.

Police BD et police de caractère :

Pour un choix d’écriture numérique, la police de caractère représente la voix de votre personnage. Il est donc essentiel de bien la choisir. 

Il existe différentes polices bande dessinée, à savoir : 

• Les polices Serifs : utilisées principalement en littérature, pour la poésie ou les romans.
• Les polices sans Serif : dites polices bâtons. Elles sont les plus lisibles et sont parfaites pour la bande dessinée.

En tous les cas, je déconseille l’utilisation de polices trop fantaisie ou du Comic sans MS (beaucoup trop utilisée). Elles sont littéralement à proscrire ! 

La lisibilité est un facteur clé de succès d’une bande dessinée.

Les idéogrammes dans les phylactères

Le texte n’est pas la seule option pour remplir une bulle. Il est possible d’utiliser d’autres techniques comme des dessins appelés idéogrammes. 

Cette pratique est courante lorsque l’on souhaite représenter des jurons et parfois des hiéroglyphes, rébus et écritures cunéiformes…

On en trouve très souvent dans les bandes dessinées du dessinateur Franquin ou encore des auteurs d’Astérix et Obélix.

4. Dessiner la bulle

Maintenant que le texte est positionné, il est temps de dessiner la bulle. On dessine le phylactère après avoir écrit le texte car il est difficile d’anticiper l’espace requis pour chaque dialogue.

Ne pas hésiter à rejoindre les bords de la case (délimitations naturelles de la scène et par conséquent, du dialogue).

Dessiner un bel ovale autour du texte.

En fonction du scénario, on utilise différentes formes de bulles (carrés, en nuages, en piques…) Cela dit l’ovale est une bonne base pour construire la bulle et lui donner une forme générale. Ensuite, ajouter les reliefs (nuages, piques…) sur ce trait de construction.

Astuce : Le texte doit respirer à l’intérieur de la bulle. Inutile de coller les bords de la case et de la bulle.

Laisser un espace de 0.5 à 1 cm à gauche et à droite : entre le texte et le bord de la case. Utiliser le même espace entre le texte et les bords de la bulle.

Quelle taille doit-faire une bulle ?

Une bulle à la bonne taille s’intègre harmonieusement dans la case. Il existe des proportions idéales pour le dessin de bulle. Celle-ci devrait s’intégrer dans un rectangle de 4 par 3. Ce rectangle peut être horizontal ou vertical. 

Le contraste graphique

Généralement, les auteurs utilisent des bulles avec un contour noir sur un fond blanc. Cela offre une bonne lisibilité. Toutefois, de plus en plus d’artistes utilisent des bulles de couleur pour casser les codes, voire des bulles noires avec des textes blancs.

L’important est que le « ballon » se détache par contraste du reste de la case pour être bien lisible. 

5. Dessiner la queue de la bulle

En bande dessinée, on appelle appendice, pointeur ou queue de la bulle, l’extrémité pointue désignant le personnage qui parle.

Astuce : Inutile de coller l’appendice à la bouche du personnage, il suffit de l’orienter vers sa tête. Laisser un espace d’environ 1 cm entre la tête du personnage et la pointe de la queue.

Généralement on dessine cet appendice après avoir représenté la bulle. En effet, en fonction de la place que prendra le texte, l’espace de la bulle peut varier, d’autant que la position d’un personnage peut différer entre le storyboard et la planche finale.

L’appendice prend la forme d’une pointe pour les dialogues mais prend la forme de petits cercles pour les pensées.

Attention à ne pas positionner un appendice vers le ventre ou les pieds du personnage. Cela perturbe la lecture ou donne l’impression d’un ventriloque.

6. Encrer la bulle à l’encre de chine

Finalement l’étape finale est assez simple, il suffit maintenant de repasser le texte et la bulle à l’encre de chine ! Félicitations ! vous savez maintenant dessiner de beaux ballons pour écrire vos bandes dessinées !

Les bulles de bande dessinée

En peinture traditionnelle et historique, le phylactère représente la voix. En effet, la parole des personnages est expirée par la bouche avant de se déployer dans l’air. Voici les différentes formes traditionnelles des bulles de BD utilisées en bande dessinée.

La bulle ovale

La bulle ovale utilisée en bande dessinée : que ce soit en manga (bulles verticales), style comics, ou BD franco-belge (bulles horizontales). Les ovales expriment le dialogue entre les personnages.

Les bulles carrées

Les bulles carrées sont aujourd’hui moins utilisées pour les dialogues au profit de la bulle ovale. Par exemple, l’auteur de Tintin aimait beaucoup utiliser des carrés. Elles sont utilisées pour différencier des personnages ou créer une voix métallique. (Un robot, un ordinateur, un téléphone).

Bulle en forme de nuage

La bulle de pensée se dessine en forme de nuage et matérialise une idée. De petits ronds dirigés vers la tête du personnage indiquent qui pense.

Les bulles de cris

Les bulles de cris ou de colère expriment une forte émotion. Elles sont hérissées de piques et dessinées à l’inverse de la bulle de pensée. 

Bulle en pointillés

Ce type de bulle est très utile pour représenter un personnage qui chuchote ou parle doucement.

La bulle d’émotion

L’utilisation d’idéogrammes facilite la transmission d’un message. Par exemple en ajoutant des coeurs autour de la bulle. Cela dit, il existe de nombreux idéogrammes comme des cœurs, étoiles, symboles d’argent, éclairs, hiéroglyphes…

Les bulles d’hésitation

L’utilisation d’un trait légèrement tremblant permet d’exprimer une émotion particulière. Ce choix est idéal pour un personnage qui manque d’assurance, hésite ou même serait trop timide…

La superposition des bulles

Dans certains cas, le fait de superposer des bulles permet de créer des effets comme par exemple couper la parole ou apporter une impression de bruit ou brouhaha.

Bulle en gras

Cette forme particulière est utile pour représenter un personnage qui parle plus fort que les autres.

Les bulles en couleurs

On les représente par une forme de couleur unie

Le chaînage des bulles

On parle de chaînage de bulles ou de bulles associées dans le cas d’un dialogue où les protagonistes se parlent et se répondent dans la même bulle. On peut ainsi chaîner de nombreuses bulles de BD.
C’est très pratique lorsque l’on souhaite éviter de redessiner le personnage pour chaque dialogue.

Les bulles hors champ

Pour faire parler un personnage hors champ, l’appendice pointera vers l’extérieur de la case. Cela permet de faire intervenir un personnage qui n’est pas dans la case. On s’en sert aussi pour créer un effet de surprise.

Bulle à plusieurs queues

Sur une bulle, plusieurs queues indiquent que différents personnages s’expriment en simultané et pour dire la même réplique.

La bande dessinée est un art en pleine évolution et de nouvelles formes de bulles apparaissent régulièrement … La bulle ouverte en est un bon exemple. En effet, celle-ci ne dispose que d’un contour partiel, voire d’aucun contour.

L’utilisation de ces bases de dessin facilite la lecture des bandes dessinées en rendant le texte plus facile à lire.

L’émotion et les bulles

La forme d’un ballon change complètement l’émotion communiquée.

• La peur, le doute ou la timidité se représentent par une bulle au trait tremblant ce qui exprime l’instabilité de la voix. 

• Pour la colère, la bulle est hérissée de piques qui font penser à un éclair. Le trait est souvent en gras par endroits pour montrer la puissance de la voix et le cri. Ces bulles peuvent être hors champ et sont généralement plus grandes que les autres.

• En forme de cœur, roses ou entourées de cœurs, elles expriment l’amour.

• Avec des rebonds, la bulle signale une voix enjouée (bulle de pensée avec une queue standard).

Le récitatif et le cartouche.

On utilise un autre procédé appelé “récitatif” ou cartouche pour apporter des précisions sur une scène. Cet encart rectangulaire se positionne en traditionnelle en haut de la case. Il peut cela dit prendre d’autre place dans la case.

Le récitatif permet par exemple de planter le décor, de situer temporellement une action ou de contenir la voix du narrateur. 

Le cartouche sert à commenter l’action du héros.

Les erreurs à éviter :

Voici à présent les erreurs les plus fréquentes que vous pouvez éviter en appliquant les conseils ci-dessous.

• Écrire en biais. Il faut écrire droit pour faciliter la lecture ! 
• Faire des ovales très petits pour contenir le texte ou trop près de celui-ci.
• Se tromper la position des bulles et par conséquent dans l’ordre de parole.
• Écrire en minuscules et en attaché. Il vaut mieux écrire en capitales.
• Dessiner le décor avant le texte. 
• Dessiner la bulle avant de prévoir le texte.
• Mal orienter la queue ou le crochet du phylactère. 
• Utiliser la police Comic Sans MS.

C’est bon, vous êtes prêt à réaliser Les dialogues de votre bande dessinée ! J’espère que cet article vous aidera dans tous vos projets créatifs et vos illustrations. 

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Si vous souhaitez en savoir plus sur le dessin et la bande dessinée, je vous invite à consulter ces articles sur des thématiques qui devraient vous intéresser : 

• Tutoriel pour apprendre comment créer une BD ?
  Dessiner un visage manga.
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On parle de storyboard en bande dessinée, dessin animé ou film d’animation pour définir un scénario illustré ou une histoire dessinée. Un story board est une succession de dessins qui traduit visuellement ce qui est écrit dans le scénario.

Exemple de storyboards

Sources : 8 exemples de story board de films cultes

Découper une histoire en storyboards

Le scénarimage est parfait pour présenter l’histoire d’un film ou d’une animation 2D ou 3D. Il est aussi idéal pour la présentation d’un scénario à un client. 

Le storyboarder intervient au début d’un projet et s’aide du synopsis, du script et du découpage technique pour définir la succession d’images clés illustrées qu’on appelle le story-board.

Grâce à ce scénario illustré, le lecteur visualise facilement le rendu de la vidéo ou de l’histoire bien avant sa production. En effet, la scénarisation est simplifiée grâce aux images clés et dessins séquentiels qui présentent les scènes principales chronologiquement. 

Ainsi, le lecteur comprend facilement le scénario qui gagne en lisibilité et se parcourt presque comme une bande dessinée. Le story board est donc un élément indispensable de la pré-production qui présente le scénario, son rythme de narration sur une période de temps. 

Mais ce n’est pas le seul rôle de ce scénario illustré. 

Un scénario dessiné pour le réalisateur

En plus des images clés, un story-board comporte de nombreux autres éléments comme des remarques et des notes. Ces informations sont très utiles pour la réalisation et le tournage d’un film de même que pour créer une bande dessinée.

Voici quelques exemples de contraintes techniques solutionnées par le découpage ou le scénarimage.

• la présentation des décors et de l’environnement.
• les plans et leur composition, la profondeur de champ. 
• l’ordre des séquences grâce à une numérotation.
• les valeurs de cadre, les focales, le mouvement des caméras.
• la physionomie, les émotions des protagonistes.
• les descriptions d’actions, le changement d’état des personnages grâce à des flèches et annotations.
• des indications sur les costumes, le maquillage et les accessoires…
• la musique et les effets sonores par des annotations  
• des précisions sur l’éclairage et la lumière (aurore, nuit, aube, jour…)

Il existe différentes approches de story-board. Certains sont très élémentaires  avec des dessins simplifiés et des personnages bâtons. D’autres plus graphiques et aboutis sont de véritables œuvres d’art. Pour ceux-ci, il est intéressant de contacter un professionnel de l’illustration, un graphiste ou un storyboarder.

Storyboarder un métier de dessinateur

Le métier de storyboarder s’apprend en école d’arts appliqués et offre des carrières dans les domaines de l’illustration, la publicité, l’animation, le théâtre et le cinéma. Les storyboarders sont des dessinateurs qui divisent l’histoire en scènes illustrées. Cette étape de post-production simplifie la création en offrant un aperçu du rendu final.

En bande dessinée, on utilise le “scénario image” pour décomposer l’histoire. On appelle cette étape le découpage. Voir la rubrique vocabulaire BD

Au cinéma d’animation, le réalisateur utilise le scénarimage comme guide pour tourner les différentes scènes et séquences. Le story-board présente les images clés d’un projet animé et permet la création de l’animatic (story-board animé).

Comment créer mon story-board ?

Pour cela rien de plus simple, vous pouvez travailler à partir de modèles vierges grâce à du papier et des crayons HB. Vous pouvez également vous servir d’une tablette graphique pour dessiner sur ordinateur.

Alors pourquoi découper son scénario ? 

Vous l’avez compris, le découpage de l’histoire présente de nombreux avantages :

• clarifier et partager la visualisation d’un projet. 
• simplifier la réalisation, le tournage d’un film ou la création d’une bande dessinée.
• tester son scénario auprès d’un public ou présenter son projet à un éditeur.
• travailler en équipe puisque le story-board homogénéise la vision du projet.
• mettre en lumière les contraintes techniques et budgétaires.
• présenter un projet de bande dessinée à une maison d’édition.

Il n’est pas nécessaire d’être un grande dessinateur pour storyboarder et des croquis annotés communiquent très bien l’intention. En revanche, si vous souhaitez apprendre à dessiner, vous pouvez découvrir comment dessiner un personnage.

Vous aimez dessiner mais vous ne savez pas par où commencer ? Alors nous vous conseillons de consulter notre page dédiée à l’apprentissage du dessin et aux cours de bande dessinée.

Vous aimeriez apprendre à dessiner ? Découvrez nos animations et cours de dessin.

Voir aussi un article complet sur comment dessiner une bulle de bd.

L’article Storyboard – Qu’est-ce qu’un story board ? est apparu en premier sur Dessin humoristique.

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Définition et Vocabulaire BD

La définition de la bande dessinée est une succession de dessins de personnages dans des cases. L’histoire dessinée se présente par l’intermédiaire de dialogues présents dans des bulles de BD. Le mot de vocabulaire BD est l’abréviation populaire pour « bande dessinée ».

Vocabulaire de la bande dessinée – Planche de bande dessinée

Un glossaire pour présenter les expressions et le vocabulaire de la BD

• Bandes ou strip : Bande horizontale d’images dessinées. On parle aussi de bandeau pour désigner la ligne de cases horizontales d’une page.

• Bulle de bande dessinée : Communément nommées bulles, ballons ou phylactère, une bulle de bd est le contenant du dialogue et prend différentes formes : ronde, ovale, rectangulaire, ciselée pour exprimer la colère, en forme de nuage ou parfois entourée de fleurs. Elle contient les dialogues et les pensées des personnages. Sa forme apporte une information sur les émotions du personnage. Dans certaines bandes dessinées humoristiques les phylactères contiennent des symboles aussi appelés idéogrammes.

• Case & Vignette : On appelle case ou vignette les images d’une bande dessinée entourées par un cadre tracé au crayon. La case désigne le contenu et le contenant.

• Chaînage de bulles : On parle de chaînage de bulles dans le cas d’un dialogue entre 2 personnages, lorsque plusieurs bulles se suivent dans une même case. Elles sont alors reliées entre elles ou « chaînées ».

• Contour : Le contour désigne la ligne du cadre contenant la scène. On parle aussi à proprement parler de cadre.

• Marge : Ce nom désigne le contour non utilisé d’une planche de BD. C’est l’encadré blanc autour des vignettes.

• Planche de BD : On parle de planche pour désigner une page publiée dans un album ou la surface de travail d’un dessinateur. Les planches de BD sont généralement au format A4, A3 parfois A2 voir A1 et se compose de 3 à 4 bandes horizontales superposées.

• Gouttière : ce terme décrit l’espace entre deux cases. Il est généralement associé à l’ellipse*. On parle aussi d' »intercase ».

D’autres définitions des planches de BD

Les définitions de vocabulaire de création de BD.

• Appendice : Il s’agit d’une protubérance pointue qui relie la bulle de bd au personnage qui parle. Pour les pensées ce sont des petits cercles qui indiquent quel protagoniste réfléchit. Certains Bédéistes l’appelle aussi le pointeur ou la queue de la bulle.

• Cartouche : On parle de cartouche et parfois de didascalie pour désigner l’encadré rectangulaire dans les vignettes. Cet encart permet de placer les textes du narrateur et d’y incorporer élément narratif, commentaire ou tout autre élément textuel nécessaire à la compréhension du scénario.

• Ellipse : On désigne par ellipse, le temps qui s’écoule entre deux cases de bandes dessinées. Les ellipses jouent sur la coopération tacite entre le lecteur et le bédéiste puisqu’elles permettent de sauter certains éléments de l’histoire sans perturber l’action.

• Interligne : On désigne par interligne, l’espace entre deux cases.

• Récitatif : Le récitatif est une forme singulière du cartouche qui permet d’apporter des éléments géographiques ou temporels facilitant la compréhension de l’histoire.

Bulle bande dessinée – Vocabulaire bande dessinée

Les mots de vocabulaire complexes de la bd.

• Astérix : On définit l’astérix en forme d’étoile comme un signe typographique permettant à l’auteur BD d’apporter un commentaire ou une note à l’attention du lecteur. Le plus souvent on trouve le commentaire en bas de la planche.

• Idéogramme : Il s’agit d’une représentation graphique, une icône ou un symbole représentant, une idée ou une émotion. Il peut s’agir d’un symbole chinois, d’un animal, un hiéroglyphe…

• Lettrage : Il s’agit de la création des textes. Les lettres sont dessinées à la main ou écrite à l’informatique. Le lettrage peut être simple, en capital, en minuscule, en gras en italique ou illustré. Ce travail peut être réalisé par le dessinateur ou par un lettreur.

• Onomatopée : Il s’agit d’un mot ou d’une succession de lettres évoquant un son ou un bruit. Voici quelques onomatopées des plus courantes : Pan, bang, paf, vroum, vlan, tut, slam, crriiiiiiii, ouf, chut, tic tac, atchoum, tagada, dring….

• Typographie : On parle de typographie ou de “typo” et parfois de « font » pour désigner la composition et la forme des caractères et le style de la police d’écriture. Lorsque l’on emploie une belle écriture manuscrite, on parle de calligraphie.

Plan BD – Lexique bande dessinée

Les plans désignent les différentes façons de dessiner un sujet en faisant varier l’angle de vue et la distance pour créer des sentiments spécifiques.

• Les types de plans : Originaire du cinéma, en BD, on désigne par plan, le type de cadrage BD choisie par le dessinateur pour représenter une vignette. Il existe des plans éloignés et proches, larges ou étroits, de dessus ou de dessous. Certains plans donnent une impression de taille : hauteur, étroitesse…

• Avant plan : Ce dit des éléments de décors ou des personnages situés au premier plan d’un case. Cela apporte un effet de relief au dessin.

• Arrière-plan : Éléments de décors et personnages situés en arrière-plan d’une vignette. Créer une sensation de profondeur.

• Champ : On parle du champ pour désigner le champ de vision ou le plan de la case.

• Hors champ : concerne ce qui se passe en dehors de la vignette.

Les plans les plus utilisés du vocabulaire de la BD

• Plan panoramique : Aussi appelé plan d’ensemble, il présente un cadrage BD très large et une vue d’ensemble éloignée donnant son importance au cadre, à l’ambiance et au décor. Ce type de plan descriptif est idéal pour introduire un récit, apporter des caractéristiques géographiques, climatiques ou temporel au lecteur.

• Le plan général : Plus proche que le précédent, ce type de cadrage apporte des précisions sur le décor, les personnages, la situation et l’action.

• Plan moyen : Dans ce cas, on parle de cadrage de plein pied, ce qui signifie que l’on voit les personnages de haut en bas et que l’on distingue leurs expressions.

• Le plan Américain : Également appelé plan de 3/4, il désigne une manière de cadrer les personnages à mi-cuisse. Il est différent du plan Italien qui lui cadre les personnages au niveau des genoux.

• Plan rapproché : Il s’agit là d’un plan plus proche, d’une vue rapprochée du personnage, celui-ci étant coupé à la ceinture ou à la taille. Cela permet au lecteur de distinguer le détail des expressions du personnage et au narrateur de décrire l’action avec une grande précision.

• Gros plan : “Cadrage psychologique” orientant l’attention sur le visage du personnage ce plan apporte une grande importance expression sur le visage des personnages ainsi qu’à leurs émotions.

• Plan serré : Un très gros plan permet de préciser un détail sur un visage, un élément de décors et de centrer l’attention du lecteur sur un point spécifique.

• Plan Séquence : Décomposition d’une action ou d’un mouvement en plusieurs images distinctes.

Vocabulaire & lexique BD – Les angles de vue et visées

• Angle de Vue : les différents points de vue dessinées pour les différentes scènes du scénario. La « visée » ou angle de vue apporte à l’histoire un point de vue suggestif, elle représente l’œil du lecteur et donne à la bande dessinée, lisibilité, ambiance et une dimension psychologique essentielle à tout bon scénario.

• Visée ordinaire : Point de vue objectif, à la hauteur de l’œil du lecteur, la visée ordinaire se confond souvent avec la ligne d’horizon ou la ligne du sol. On l’utilise souvent pour les plans moyens, Américains, rapprochés et les gros plans.

• Visée en plongée : Décrit une scène vue de haut en bas. Cet angle de vue est suggestif, en effet, il donne au lecteur l’impression d’être au-dessus de la scène et de regarder du haut vers le bas. Ce point de vue est parfait pour suggérer l’écrasement, la hauteur d’un élément, l’accablement physique ou psychologique, la menace, l’impossibilité…. Cette aussi une vue idéale pour les plans larges et descriptifs, car elle permet une vue en surplomb par exemple, pour la vue d’un oiseau ou d’un dragon dans le ciel.

• Contre-plongée : décrit une scène vue de bas en haut. Cette vision est suggestive et créer chez le lecteur le sentiment d’être en dessous de la scène ou de l’objet de la vignette. Cette visée crée une impression de puissance, de force, de supériorité et de domination, ce qui peut par exemple mettre l’accent sur l’égo d’un personnage.

La création d’une bande dessinée

La nomenclature des expressions de la création de bande dessinée.

• Aplat : Ce terme désigne une surface de couleur unie, ne présentant aucune variabilité de teinte, lumière… et répartie de façon uniforme.

• Cadrage : Désigne la disposition éléments graphiques (personnages, décors) au sein d’une vignette.

• Découpage : Le découpage représente le plan de l’histoire scène par scène et case par case. C’est une étape de création d’un album réalisée pas le scénariste et visant à positionner chaque élément dans le bon ordre.

• Croquis : Dessin rapide ou esquisse, on parle aussi de sketch.

• Composition : On définit la composition comme l’organisation et l’emplacement des éléments de la page : (cases, récitatif, bulles, personnages, décors…)

• Crayonné : Le terme crayonné ou esquisse désigne le travail de dessin à partir du storyboard. Les premiers crayonnés donnent la forme, les suivants apportent des éléments graphiques à la planche.

• Dessin style : Le style définit la façon de dessiner de l’artiste et fait parfois appelle aux grands « classiques » comme la BD franco-belge, les comics ou le manga. On parle aussi de style réaliste, humoristique, caricatural, animé, technique…

• Coloration : Étape de création passant la BD du noir et blanc à la couleur.

• Encrage : Étape de création visant à repasser le crayonné à l’encre de chine à l’aide d’une plume, d’un pinceau ou d’un stylo noir.

• Synopsis : Il s’agit d’une version écrite et résumée du scénario. Le synopsis permet souvent de présenter un projet à une maison d’édition.

• Script ou scénario : Descriptif de l’histoire, c’est à partir du script que le scénariste réalise le découpage.

• Storyboard : Le storyboard est un montage de dessins permettant de visualiser le découpage du récit. On parle aussi de mise en page.

• Tirage : Ce dit de l’impression d’un album BD.

Procédés narratifs

• Contraste : procédé narratif qui désigne la différence plus ou moins marquée entre deux cases. Voici quelques idées de contrastes : graphique, de profondeur, de mise en page, de poses, de plans, d’angles, de point de vue, de clarté ou d’intensité.

• Clarté : Désigne la lisibilité d’une histoire ou d’une séquence d’image. Selon Scott McCloud, elle dépend des choix fait par l’auteur au niveau de la représentation du moment, du cadrage, de l’image, des mots et du flux.

• Débordement de case : Nom donné à un dessin sortant des limites de la vignette.

• Flash back : astuce narrative permettant un retour en arrière chronologique apportant des éléments à l’histoire.

• Intensité : technique graphique dynamisant la composition d’une planche. Voici quelques exemples : contraste, excitation visuelle, sentiment d’urgence…

• Scène : Succession de cases représentant un même décor ou action.

• Séquence : Déroulé de vignettes créant une structure narrative malgré d’éventuels changements de scènes.

Transition de cases en bande dessinée

• Champ contre champ : Désigne un enchaînement de vignettes, du point de vue d’un protagoniste puis d’un autre.

• Moment à moment : Suite de cases successives qui représente une série de moments décomposant une action.

• Sujet à sujet : Enchaînement de cases représentation des plans de différents protagonsites, sujets et évènements d’une même scène.

• Action à action : Suite d’action représentée dans différentes vignettes à la suite. Scène à scène : Succession de cases présentant différentes scènes.

• Aspect à aspect : Déroulé de vignettes successives présentant de nombreux points de vue d’une même scène.

• Sans queue ni tête : Suite de cases représentant des images/ scènes n’ayant aucun lien les unes avec les autres.

Dessin de personnages de bande dessinée

Le glossaire et les définitions du dessin de personnage de bd. Découvrir la signification des termes associés à la technique de dessin et la représentation de héros de bande dessinée.

• Character design : l’apparence d’un personnage sous tous ses angles est une étape de création très utilisé pour le dessin animé.

• Gestuelle : Illustre le mouvement d’un personnage. L’idée est de rendre les mouvements expressifs et lisibles.

• Ligne de repère : Traits de constructions tracés lors de l’esquisse facilitant la construction. Généralement effacés par la suite.

• Plein et délié : Ce dit d’un trait dont l’épaisseur varie entre fin et épais.

• Posture : Se dit de la pose que prend un personnage, décrit une attitude générale du corps d’un personnage.

• Pose dynamique : Cette expression désigne le choix graphique et anatomique de la représentation d’un corps. La particularité réside dans l’utilisation de la perspective et la torsion entre le buste et le bassin.

• Proportion : Les proportions d’un humanoïde désigne le rapport entre la hauteur et la largeur d’un personnage. On parle aussi des proportions pour désigner le rapport de taille d’un objet par rapport à un autre.

• Raccourcis : En dessin et BD ce terme désigne l’utilisation de la perspective appliquée à l’anatomie. On l’utilise beucoup pour la représentation des bras et des jambes.

• Silhouette : Désigne l’apparence, l’esquisse ou la forme d’un personnage.

• Squelette : Cette expression désigne le « personnage bâton » et facilite la représentation des membres et articulations de l’anatomie.

Dessins des fonds et des décors :

• Hachure : Elles désignent des lignes croisées où non qui créent des différences de tons et de matérialisent des textures ou des effets d’ombres et lumières.

• Ligne de fond : représente généralement la délimitation entre le décor et le ciel.

• Ligne d’horizon : On appelle ligne d’horizon ou ligne de de vue est un axe horizontale imaginaire situé à la hauteur des yeux de l’observateur.

• Perspective : Désigne une technique de dessin permettant de représenter graphiquement des objets dans l’espace. On parle par exemple de dessin d’objets tridimensionnels.

• Points de fuite : En dessin de perspective, le point de fuite est l’endroit ou les lignes parallèles se croisent.

• Repère graphique : repères, grilles ou annotations visuelles permettant d’aider le dessinateur pour positionner les éléments et respecter les perspectives.

• Valeur : Contraste entre la lumière et l’ombre qui donne la profondeur au dessin.

Vocabulaire courant et définitions de la bande dessinée :

• Bulle de BD : représentation graphique qui contients les paroles, les pensées, en bref, les dialogues du personnage.

• Vignette : case carrée ou rectangulaire délimitant la case.

• Auteur de BD : créateur d’une bande dessinée du scénario et/ou des dessins.

• Mangaka : traditionnel nom donné aux auteurs de BD Japonaise.

• Personnage : autre appellation pour le héros de l’histoire.

Les métiers de la bande dessinée

Retrouvez les expressions des métiers du neuvième art.

• Auteur : On considère généralement le scénariste et le dessinateur comme les créateurs d’une œuvre.

• Bédéiste : On définit le terme bédéiste comme l’auteur de la BD, des textes et illustrations.

• Cartooniste : Se dit d’un dessinateur de dessin animé, de presse ou de bande dessinée.

• Character designer : est un spécialiste de la création de personnages.

• Coloriste : Spécialiste de la coloration de planches.

• Concept Artist : Nom donné à un professionnel spécialisé en recherche graphique (protagonistes, décors, composition, scénarisation).

• Dessinateur BD : Personne dont le métier est de transformer le scénario en bandes illustrées.

• Encreur : Spécialiste de l’encrage et du repassage des dessins.

• Éditeur : Nom donné à la personne en charge de l’édition, c’est à dire la mise en vente d’un album ou d’un livre.

• Illustrateur jeunesse : Professionnel de l’illustration jeunesse qui raconte des histoires par le dessin.

• Imprimeur : Nom donné à l’entreprise qui se charge de l’impression des livres. On parle aussi d’imprimerie.

• Maison d’édition : Il s’agit de l’appellation donnée à une entreprise spécialisée en édition, la production et la commercialisation d’ouvrage, de livres illustrés ou manuscrits…

• Mangaka : Créateur ou auteur de manga

• Scénariste : Personne en charge de la création du scénario.

• Storyboarder : ce métier consiste en la création d’un scénario en image pour des publicités, des bandes dessinées ou des films d’animations.

Le matériel de la bande dessinée

• Atelier : Désigne le lieu de travail du dessinateur de bd.

• Brush pen : On parle aussi de stylo pinceau pour désigner un stylo dont l’embout s’apparente à un pinceau et dont le corps sert de réservoir à encre ou à peinture.

• Crayon inactique : Crayon bleu dont le trait disparait lorsque l’on effectue une photocopie.

• Plume et porte plume : La plume est une pointe collectant l’encre et permettant de tracer des traits très précis.

• Table lumineuse : Surface lumineuse plane permettant de travailler par transparence sur les planches de BD.

• Tablette graphique : Accessoire numérique permettant de travailler sur informatique à l’aide d’un stylet.

Les styles de BD et de dessin

• Cartoon : Ce mot est un anglicisme signifiant à la fois dessin animé et dessin humoristique ou dessin drôle.

• Chibi : traduit du mot japonais « petite personne », on utilise le terme Chibi pour désigner un héros miniature doté d’une très grosse tête et aux expressions très marquées notamment par ses grands yeux !

• Comics : Style de dessin Américaines principalement dédié aux super-héros et à la science-fiction.

• Franco-Belge : Ce dit du style de dessin traditionnel et historique à la France et à la Belgique.

• Kawaii : Tiré du style manga, le mot Kawaii signifie en Japonais Mignon ou adorable..

• Manga : Style de dessin caractéristique au Japon

• Seinen : Terme employé pour un style de manga pour adulte.

• Shônen : Ce terme désigne une typologie de manga pour jeune garçon.

• Shôjo : Nom donné pour la typologie de manga pour jeune fille.

• Web toon : Les webtoons sont des bandes dessinées sud Coréennes publiées sur Internet.

• Roman Graphique : Désigne une histoire illustrée généralement sous la forme illustrée. Celle-ci se traduit généralement par un style sérieux et un lectorat adulte.

Autres expressions courantes du dictionnaire de bande dessinée

• Album : Désigne un livre généralement composé de 48 pages.

• Bédéphile : Se dit d’un passionné de la neuvième art.

• Bleu : Tracé d’une planche avec une teinte claire et bleu. Ce bleu permet la colorisation. On ajoutera une version des traits au noir par-dessus.

• Calque : Désigne les différentes couches d’aplats d’une œuvre. On utilise généralement ce terme dans une application informatique.

• Copyright : Il s’agit des droits du créateur à exploiter une œuvre pendant une certaine durée.

• CMJN : (Cyan, Magenta, Jaune, Noir) Appellation de la colorisation par ajout de couleurs en quadrichromie.

• Dessin vectoriel : Il s’agit d’une création informatique composée de courbes qui ne peuvent perdre de leur qualité malgré une modification de la résolution.

• Emanata : Représentation graphique traduisant le mouvement ou l’émotion comme : les traits de vitesse, la fumée de colère, les éclairs dans les yeux ou les gouttes de sueur.

• Format : Désigne la taille ou les dimensions d’une œuvre en général 24 cm de large sur 32 cm de haut.

• Gag : Effet comique provoqué par un élément surprenant et inopiné et décalé au sein d’une histoire.

• Gaufrier : Désigne une planche sur laquelle se trouve uniquement la structure des cases sans aucun dessin.

• Grammage : C’est le poids du papier dont l’unité de mesure est le gramme par mètre carré.

• Neuvième Art : Expression désignant la BD comme un successeur de l’art classique et des arts modernes.

• RVB : (Rouge, Vert, Bleu) Ce dit d’une coloration par addition de couleurs où couleurs additives.

• Strip : Courte histoire humoristique racontée sur une ligne et soldée par un gag.

• Trame : Motif hachuré ou de traits visant à créer des effets d’ombre, de relief et de texture en fond.

• Fanzine : contraction de « fan » et de « magazine », un fanzine est un périodique indépendant, créé et réalisé le plus souvent bénévolement par des amateurs, en dehors des circuits commerciaux classiques.

Personnages de bande dessinée Franco-Belge

• Astérix : Héros de la BD éponyme, Astérix et son ami Obélix font parti des célèbres Gaulois qui résistent encore et toujours à l’envahisseur Romain. Ces protagonsites naissent de la colaboration entre René Goscinny et Albert Uderzo.

• Bidochons (les) : Série de humoristique représentant un couple de vieux, imaginés par Binet.

• Blake et Mortimer : Écrite pas l’auteur Edgar P. Jacobs, cette histoire raconte les aventures d’un capitaine, Blake et de son ami le professeur Mortimer.

• Cédric : Imaginé par Raoul Cauvin, Cédric est un jeune garçon représenté dans sa famille aimant jouer avec ses amis et amoureux.

• Corto Maltes : Culte, ce un marin mélange un style anglosaxon à une apparence méditéranéenne.

• Gaston Lagaffe : célèbre sans emploi imaginé par Franquin, Gaston Lagaffe est probablement l’anti-héros le plus paresseux des créations Franco Belge.

• Kid Paddle : est un enfant de près de 9 ans passioné de jeux vidéo qui mélange parfois le monde réel avec ses jeux vidéos, qu’il aime tant.

• Léonard le Génie : Inspiré du célèbre Léonard de Vinci, cette BD reprend les grands thèmes de sa vie tels que la peinture ou l’ingénieurie…

• Lucky Luke: Cowboy solitaire, Lucky Luke est un justicier du far west qui poursuit les désormais célèbres frères Daltons revisités par Morris.

• Natacha: Hôtesse de l’air pleine de ressource et accompagné de son ami Walter, elle a le chic pour se retrouver dans de drôles d’aventures.

• Iznogoud : imaginé par René Goscinny, Iznogood est le grand vizir du Calife de Bagdad. Son seul but est de renverser le calife et prendre sa place.

• Shtroumpfs (les) : Petits bonhommes bleux inventés par Peyo, ceux ci vivent dans une petite sociétée miniature coupée du monde des hommes.

• Spirou et Fantasio : Véritable classique, Spirou et le héros et l’éffigie de la maison d’édition Dupuis.

• Titeuf : Célèbre adolescent à la mèche jaune, Titeuf raconte le quotidien d’un ado. C’est ce que l’on appelle une série à succès.

• Tintin : Ce jeune reporter blond est accompagné de son fidèle compagnon, milou et de son ami de toujours, le capitaine Hadock. Ces héros sont inventés par Hergé.

Sangoku : héros de Dragon Ball, il cherche à rassembler les 7 boules de cristal.

En voir plus :

Si vous souhaitez en apprendre davantage sur le dessin et le neuvième art, alors découvrez nos animations et cours de BD et les cours particuliers de dessin.

Vous pouvez également découvrir des excellents livres pour apprendre la BD.

J’espère que cette liste de terme vous a plus ! Si vous souhaitez immortaliser votre propre histoire, contactez-moi pour commander votre propre BD personnalisée.

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Pour devenir graphiste, illustrateur, débuter des études de dessin et apprendre à dessiner, il faut choisir son propre style de dessin. C’est plus facile lorsque l’on a les bonnes informations. Bienvenue sur ce tutoriel de dessin.

Mais au fait c’est quoi exactement dessiner avec style ? 
Découvrir la chaîne Twitch et discuter avec le dessinateur !

Trouver son propre style de dessin

On appelle style de dessin ou style graphique, le petit quelque chose qui fait que les dessins d’un artiste sont reconnaissables et uniques. Certains parlent de traits, d’autres de coup de crayon ou de signaux graphiques distincts. En bref c’est ce qui définit l’identité d’un illustrateur, l’âme d’un artiste.

En tous les cas certaines œuvres sont tellement “stylisées” que leurs auteurs qui les ont dessinés, sont passés à la postérité. C’est le cas de certains dessinateurs de BD, dessinateurs de presse, peintres, architectes, animateurs de dessins animés…

Astuce : Identifier ce que vous aimez dessiner et ce qui vous semble intuitif est un bon début pour trouver son style.  

Bon c’est bien ça, mais alors, quels sont les différents styles de dessins ?

Tous les styles de dessin

Le style du dessinateur dépend beaucoup de son activité et de ce qu’il souhaite dessiner. Quel que soit votre niveau, vous posséder déjà un coup de crayon. Voici donc plusieurs formes de dessin.

01. Le dessin humoristique : 

Aussi appelé dessin de presse, le dessin d’humour est une forme graphique directement inspirée du quotidien ou de l’actualité. Les dessinateurs de presse aiment particulièrement mettre en lumière des sujets délicats et parfois brûlants de l’actualité alors que certains dessinateurs d’humour préfèrent illustrer de manière légère des phénomènes de société. L’humour est également un excellent moyen de faire passer un message. Voilà pourquoi je l’utilise pour la création de dessins d’entreprise. 

Astuce : Le succès d’un bon dessin d’humour repose plus dans la chute de la blague que dans le style graphique.

02. La caricature :

La caricature est un cousin germain du dessin humoristique puisqu’il consiste en l’exagération des traits de certains personnages. En France il est courant de trouver des caricatures des hommes politiques ou de personnages publics. Le cartoon est une certaine forme de caricature puisqu’il exagère souvent les proportions rendant la création moins réaliste. 

On peut considérer les fans art comme des caricatures des œuvres originales.

03. La bande dessinée

Aussi appelé 9ème art, la BD fait partie des formes de dessin les plus populaires du XXIème siècle et englobe, le manga, les comics, les cartoons et la BD réaliste. La bande dessinée permet d’illustrer le déroulement d’une action dans des cases pour raconter une histoire de manière chronologique. 

Astuce : Découvrez comment créer une bande dessinée de A à Z.

04. Le dessin d’observation 

Ce type de dessin est réaliste puisqu’il repose sur la capacité à reproduire avec fidélité ce que l’on observe. La caractéristique principale des dessins réalistes est la reproduction exacte : de la forme, des proportions, des perspectives, des effets de lumières et des ombrages. 

Astuce : Pour un dessin d’observation, l’artiste concentre son attention à 80% sur son modèle et à 20% sur son dessin. 

05. Le dessin technique

Certains dessinateurs professionnels sont plutôt carrés. C’est le cas de certaines professions comme les dessinateurs projeteurs, les architectes ou les designers. Leur rôle est de concevoir des produits et de les matérialiser sur une feuille. 

Le dessin technique ou industriel répond à certains codes et exigence. En effet il existe des normes à respecter comme le cartouche, les cotations, les légendes, les vues, les coupes et bien d’autres subtilités. Pour pallier à la difficulté de précision et de détails, de nombreux dessins techniques sont aujourd’hui, réalisés par informatique. 

Voici quelques logiciels de DAO dessin assisté par ordinateur : Autocad, Solidwork…

06. Le dessin animé 

L’animation 2D est un type de dessin à part entière répondant à ses propres codes. Le dessin animé est en réalité une succession d’image superposées très rapidement pour donner l’illusion de mouvement. Cette forme de dessin est basée sur le mouvement et découpe les différentes positions du corps lors d’un mouvement. Le travail d’animation est un  gros travail qui requiert souvent de très grandes équipes.

Astuces : Un des acteurs les plus côtés en matière d’animation est le studio Ghibli

Les éléments de style graphique

En plus de l’approche, un style dépend d’autres éléments qui le rendront unique : 

Notre personnalité :

Cela peut surprendre et pourtant notre personnalité peut directement impacter notre dessin. Êtes-vous patient ou plutôt pressé ? Rien que cette caractéristique prend du sens lorsque l’on sait que dessiner peut prendre plusieurs heures et parfois plusieurs jours. 

Astuces : Notre attention joue un grand rôle pour prendre conscience de nos points faibles et les corriger.

Dessiner nos références artistiques :

L’enfant apprend en imitant les adultes et le dessinateur progresse par l’observation. Nos références artistiques jouent un grand rôle dans la recherche de notre art. Réfléchissez aux artistes qui ont marqué votre imagination étant enfant. Ils restent graver dans notre mémoire.

Pour ma part mes bd personnalisées sont fortement influencées par la BD Franco-Belge.

L’espace de travail : 

Notre environnement peut également avoir un impact sur nos résultats. Aimez-vous créer sur un espace propre et rangé ? Préférez-vous faire des croquis à la terrasse d’un café, vous retrouver dans un atelier calme, ou peut-être en pleine nature ? 

Astuces : Optez pour une bonne chaise de bureau, une table à dessin inclinée et peut être une tablette graphique dernier cri. 

Le savoir dessiner : 

L’expérience de l’illustrateur joue également un grand rôle puisqu’avec le temps, le style du dessinateur évolue, change et s’améliore. La maîtrise d’une technique ou d’un outil graphique permet parfois une différenciation importante d’un style graphique à un autre. 

Astuce : Apprendre différentes méthodes permet de se différencier et parfois d’innover.

La couleur : 

En matière de coloration il existe de nombreuses formes de peintures comme l’aquarelle, la gouache, la peinture à l’huile, l’encre de chine, les feutres, les crayons de couleurs… Ou peut-être que vous faîtes partis de ces nouveaux illustrateurs très habiles avec une tablette graphique. 

Astuces : Vous pouvez remplacer les couleurs de vos volumes par des textures afin de leurs donner plus de réalisme.

Le matériel de dessin :

Préférez-vous dessiner, au crayon, au stylo à bille, au fusain, à la plume, au feutre, au pinceau ? Il existe une multitude d’outils de dessin et médiums que je vous propose de découvrir ci-dessous.

La technique et le matériel de dessin. 

Le “trait” c’est ce qui définit le mieux un grand artiste. Aimez-vous les traits pleins, vides, tremblants, net, précis ? Le trait est la marque de fabrique d’une identité graphique. 

Le facteur influençant probablement le plus le trait et le style des dessinateurs est le médium qu’ils utilisent et la technique qu’ils en ont. 

Voici quelques outils de dessins et leurs spécificités. 

Le fusain

A partir de cette tige de charbon de bois, les dessinateurs excellent dans la création de portrait mais aussi de croquis et d’études. Malgré sa fragilité et son côté salissant, le fusain reste un outil de choix pour l’artiste car il s’estompe facilement avec le doigt et offre une grande liberté de traits : pleins vides, marqués ou légers. 

Le crayon de papier

Le critérium, graphite ou crayon de papier représente le standard du dessin. En effet, il offre des caractéristiques similaires au fusain. On utilise des crayons plus ou moins gras en fonction de ses besoins. 

Bien que moins graphique, il reste très pratique et s’adapte à tous les styles graphiques. Il est idéal pour commencer à dessiner car, on peut le gommer facilement et obtenir des effets graphiques comme des contrastes très réalistes. Le crayon est l’outil idéal pour réaliser des brouillons et même des créations plus abouties. 

Astuce : Le crayon de papier représente encore souvent la première étape de toutes créations graphiques. 

Le stylo à bille 

Le stylo, tout comme son homologue le crayon s’adapte à toutes les formes graphiques. Il a toutefois la spécificité bien particulière de ne pas s’effacer. Au stylo chaque trait est permanent ! Le stylo à rapidement remplacé la plume du XXème siècle car il est beaucoup plus pratique. Moins salissant et plus simple d’utilisation il a pris une place importante dans nos vies.

Astuce : Le stylo permet de repasser les brouillons pour donner au trait un caractère permanent. 

Le pinceau et la plume

Bien que passé de mode, les pinceaux et la plume restent de formidables outils de dessin qui ont marqué l’histoire de l’humanité. La plume est un outil semi rigide qui comme le pinceau offre une grande liberté de traits pleins/ vides apportant une grande technicité et de la vie au dessin. 

La tablette graphique 

Fraîchement arrivé dans l’arsenal du graphiste et accompagné de logiciels informatique, la tablette compte de plus en plus d’adeptes. Et pour cause ses nombreux avantages comme la multiplicité des outils disponibles (brosses, calques, couleurs, retour en arrière, zoom). Les avantages de l’informatique ne sont plus à prouver et je vous recommande vivement de vous procurer une tablette graphique. 

Astuce : Pour utiliser votre tablette je vous conseille de télécharger le logiciel Krita, entièrement gratuit. 

Les décisions artistiques 

Alors pour quel outil avez-vous opté ? Quelle technique de dessin vous semble la plus adaptée ? Peut-être allez-vous mélanger les outils ? Dîtes le moi en commentaire. 

Quel que soit votre choix, d’autre éléments influencent la forme de dessin. 

La palette de couleurs 

Comment utilisez-vous vos couleurs ? La palette de couleurs que vous utilisez joue un grand rôle pour trouver votre propre style. Une palette de couleurs propose des teintes, vives ou pastels.

Astuce : Pensez à utiliser les couleurs complémentaires 

IMAGE CERCLE CHROMATIQUE DES COULEURS.

Une couleur vive au milieu d’un fond claire ou terne permet de faire ressortir visuellement un élément. Les couleurs complémentaires peuvent avoir le même effet. Un bleu ou violet se démarquera automatiquement sur un fond jaune. 

Astuce : Certaine couleurs évoquent inconsciemment certaines émotions, le rouge pour la colère ou l’amour et le vert pour la paix et la créativité…

La méthodologie 

La “patte” dépend nécessairement de la méthode que l’artiste utilise. Comme le choix des outils, les étapes de créations rendent chaque œuvre unique. Un peintre pourrait utiliser sa peinture pour faire un pooring ou alors l’appliquer méticuleusement sur sa toile en pointillisme. Pour ma part je dessine au crayon, encre au stylo avant de numériser mes planches de BD. Une fois sur l’ordinateur, je repasse à la tablette avant d’ajouter les ombres, les lumières puis les couleurs.

Astuce : L’important à cette étape est de rester ouvert et créatif pour ouvrir son champ des possibles et devenir plus créatif. 

La thématique 

En plus de la technique, nos dessins dépendent aussi de notre interprétation. A moins de dessiner de tête ou par pure imagination, le modèle que l’on utilise influence le style. Est-ce que l’on utilise une photo, une BD, un modèle précis ? 

Sélectionner un modèle qui nous plait c’est déjà choisir parmi toutes les formes de dessin qui existent. La plupart des dessinateurs dessinent à partir de modèles et s’inspirent soit du travail des autres, soit de photographies et d’études graphiques réalisées au préalable. La documentation et l’inspiration de plusieurs sources graphiques est indispensable pour une évolution du style.

Astuce : Observer attentivement les détails de nos modèles permet d’ajouter facilement des détails à nos créations pour les améliorer. 

Les formes graphiques et les codes. 

Que ce soit dans un tableau ou une bande dessinée, il existe souvent plusieurs niveaux de lecture à une œuvre. Comme les images subliminales, les couleurs ou les formes géométriques qui peuvent avoir des symboliques très fortes et une interprétation propre. 

Par exemple, les formes asymétriques et les fractales représentent ce que l’on trouve dans la nature comme un paysage, un arbre, une chaîne de montage… Au contraire les formes symétriques s’approchent plus de l’homme et de ses créations avec des volumes plus rationnels et plus symétriques. En art abstrait, les formes arrondies évoquent la douceur alors que les points d’un carré seront plus agressifs. 

Astuces : Utiliser le nombre d’or qui correspond à une proportion parfaite de 1.618033…. C’est le rapport idéal d’une longueur par une largeur selon la psychologie humaine. 

La différence entre copier et s’inspirer

Bien souvent lorsque l’on apprend à dessiner, on peut être victime du syndrome de l’imposteur et se demander si l’on a le droit de copier. Premièrement la copie d’une œuvre dans le cadre d’un exercice et dans une volonté de faire évoluer le style est tout à fait bénéfique. Les plus grands maîtres du dessin ont débuté de cette façon. La copie est un excellent exercice pour apprendre et développer son oeil et son sens de l’observation.

La copie ou le plagiat, à moins d’être une reproduction à l’identique est avant tout une affaire de perception. En reproduisant machinalement les œuvres d’un artiste, on s’expose au risque de se coincer dans un style plagiat. Pour pallier cette problématique, l’idéal est de s’appuyer sur différents modèles de différents styles artistiques. Ainsi votre trait restera unique. 

Progresser et trouver son style 

Comme dit le proverbe, « on n’a rien sans rien« . Comme pour un sport ou pour la musique, le dessin est une discipline exigeante et pour devenir un virtuose du crayon, il vous faudra un bon entraînement. Toutefois, contrairement à la célèbre phrase qui dit : dessiner, encore et encore et encore, j’ajouterai quelques nuances pour vous aider à progresser.

La recherche 

Pour progresser, rien ne vaut un bon modèle et la recherche d’image, de tutoriels et d’autres artistes permets de nourrir son imaginaire autant que son envie de se perfectionner dans l’art du crayonné. 

Astuce : Trouvez des modèles qui vous plaisent. 

L’observation 

Le dessin est une reproduction ou tout au moins une matérialisation de ce que l’on voit.

 Apprendre à observer les angles, les volumes, les proportions sont des clés pour progresser. Observez comment les ombres et lumières sont portées sur un visage. Prenez un instant pour analyser les plis d’un vêtement. Apprécier les volumes et la perspective d’une table dans une pièce. L’observation rend le dessin plus facile puisqu’elle est étroitement liée à la reproduction.

Astuce : Simplifier aux maximum les formes des dessins soit en dessinant des blocs soit en dessinant les contours.

La reproduction 

Pour vous entraîner, copiez les travaux de vos idoles. Si quelqu’un vous traite de plagieur c’est que vous avez acquis un certain niveau de graphisme et d’une certaine manière vous pouvez vous en félicitez. Gardez tout de même de longues séance de créations pour développer votre imaginaire. 

Astuce : Pour que la reproduction reste saine, changez régulièrement d’artiste et de modèles.

La régularité. 

L’assiduité et le temps sont également des secrets de grands dessinateurs. La vérité est qu’ils dessinent tous les jours, depuis des années et ils apprennent encore. Soyez passionné par le dessin et vos progrès seront importants. Soyez assidu et régulier et vos progrès seront impressionnants. 

Astuces : Acceptez des projets extérieurs pour vos proches afin de sortir de votre zone de confort. Lancez-vous des défis, participez à des concours.

Conserver ses anciennes œuvres. 

Je conserve précieusement l’ensemble de mes dessins. Au-delà la valeur sentimentale, se faire un portefolio est un excellent moyen de suivre l’évolution de son trait. Un portefolio permet aussi de visualiser ses progrès et d’être plus heureux et donc plus motivé pour produire 🙂

Astuces : Conservez toujours avec vous un carnet pour décider au moindre temps libre. 

Échouez souvent !

Même si cela peut paraître absurde, l’échec est une vertu car il est synonyme d’expérience et par conséquent de progrès. En plus d’accroître notre résistance et notre endurance l’échec est ce qui favorise la remise en question, le changement et donc l’évolution de votre style. 

Combien de temps pour trouver mon style ? 

Il n’y a pas de réponse précise à cette question, puisque le trait évolue dès que l’on dessine. La réponse dépend plus du temps et de l’attention que vous consacrerez à la création. Toutefois, il est courant d’entendre parler de la règle des 10 000 heures. Cette règle stipule que 10 000 heures pratiques font de vous un expert dans un domaine. Cette période sera donc un excellent prétexte pour apprendre à maîtriser les bases tels que les perspectives, les volumes, les proportions… 

Allez, à vos stylos et à bientôt !

Apprendre le dessin et la BD

C’est article vous a plu ? Vous souhaitez en apprendre davantage sur le dessin ? Découvrez cette sélection d’article pour apprendre à dessiner.
– Le vocabulaire BD fait partie à part entière de ce style et il est intéressant de le maîtriser.
– Apprendre le dessin de visage manga
– Comment dessiner un personnage ? proportion, visage, étapes de dessin…
– Découvrir Comment faire une BD ? Toutes les étapes de la création d’une bande dessinée.

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– Découvrez notre Animation BD.
– Envie de vous perfectionner en graphisme ? Alors découvrez les cours pour apprendre à dessiner.
– Voir les blagues et images drôles

L’article Trouver son propre style de dessin ? Facile ! est apparu en premier sur Dessin humoristique.

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Le style de personnage et le genre de la BD.

Pour faciliter la création du protagoniste, il est intéressant de dresser une liste des références de BD qui existent déjà.

Tintin, Spirou, Astérix, Corto Maltese, Blueberry, le chat ou encore Sangoku sont des personnages de BD stylisés.

On distingue plusieurs genres de bandes dessinées. La BD humoristique, fantastique, aventure et comic strip… Par conséquent, choisir un style de BD orientera et facilitera la création du personnage.

Découvrez cet article pour vous aider à trouver un style de dessin.

Dessin personnage – La forme

Tous les héros de bandes dessinées comptent une personnalité, une psychologie, des traits de caractère et des particularités qui les rendent uniques. Certains protagonistes sont des caricatures, des stéréotypes, des personnages réalistes ou des héros qui font rêver.

Pour mieux appréhender le dessin d’un personnage, il est intéressant d’écrire quelques lignes pour décrire votre bonhomme. Cette description apportera des caractéristiques physiques et psychologiques.

Les traits physiques du personnage :

• La corpulence et la physionomie du héros : grand, petit, gros, mince, fluet, blanc, métisse, foncé, cheveux longs, ou courts.
• Les proportions générales du personnage, réalistes ou cartoon.
• La forme de son visage, la couleur des yeux, la forme des oreilles, du nez et du menton.
• Les vêtements du personnage, son cadre de vie qui influencent son apparence.
• Son métier et sa catégorie sociale professionnelle.

Les traits psychologiques du héros sont :

• L’âge et le sexe du personnage
• Le nom du protagoniste – n’hésitez pas à utiliser des jeux de mots (Iznogood, Asurancetourix)
• Le passé du personnage incluant ainsi le passé et les expériences antérieures à l’histoire.
• Le caractère, les forces, les faiblesses, les émotions dominantes, traits de caractère et les habitudes d’une personnalité qui évoluera au long de l’histoire.
• Les attitudes et le comportement habituel, les mimiques, les expressions, les poses et réactions habituelles.
• Le chemin du héros incluant donc l’objectif et la quête de celui-ci.
• La position sociale et hiérarchique du personnage de même que son utilité dans l’histoire.

Une autre astuce, l’époque à laquelle vit notre aventurier influencera son apparence et son état d’esprit.

✏️ Le matériel minimaliste requis pour dessiner un personnage de BD est : crayon, gomme, stylo noir, papier A4 Canson ou papier de 80 G à 100 G.

Apprendre à dessiner un personnage de BD

Pour apprendre à dessiner un personnage de bande dessinée, il existe de nombreux tutoriels sur Internet. Mais ce qui permet d’obtenir un résultat intéressant, c’est l’entraînement, le travail et l’assiduité.

En fonction du niveau de départ, il faut réaliser de nombreux croquis et esquisses pour identifier les traits principaux d’un personnage.

La simplification des traits permet d’obtenir des résultats très rapidement.

Finalement, les tutoriels Youtube et Pinterest permettront d’acquérir la technique, notamment pour dessiner, le visage, les expressions, le corps, les détails et les mouvements.

Comment dessiner un visage ?

La première étape pour créer un personnage de BD est de dessiner un visage. Découvrez un article complet pour dessiner un visage de manga.

Pour dessiner un visage, il faut définir une forme. Généralement, on commence par dessiner un cercle, parfois un peu ovale. On trace une croix au centre du cercle.

La ligne verticale permet de positionner les yeux, chacun à égale distance de la ligne verticale.

Les yeux se situent toujours au milieu du cercle. 

Ensuite, on dessine la bouche et le nez sous les yeux grâce à la ligne verticale. C’est ensuite le tour des oreilles qui se positionnent entre les yeux et le nez.

Pour dessiner des cheveux, on esquissera directement la forme globale en ajoutant du volume au-dessus de la tête.

❗ Pour bien dessiner le visage d’un personnage, il faudra apprendre à le dessiner de face, de profil et de trois quarts.

En fonction de la vue (face, profil ou 3/4), les repères ne sont pas les mêmes et il faut maîtriser ces trois perspectives pour obtenir un dessin réaliste.

Comment donner des émotions et des expressions au personnage ?

Pour donner vie au visage du héros de la BD, il est nécessaire de lui donner des expressions. Les expressions expriment les émotions du personnage. 

En bande dessinée, il est capital de connaître les expressions pour réussir à capter l’attention du lecteur.

Les émotions d’un personnage s’expriment principalement par la bouche, les yeux, les sourcils, la couleur du visage et les idéogrammes. 

Les émoticônes aident le dessinateur à choisir et à représenter les émotions.

Les principales émotions du visage sont : la joie, la tristesse, la colère, la peur, le dégoût, la surprise, le mépris, l’ennui et la fatigue.

Comment dessiner un corps et une silhouette facilement en bande dessinée ?

Pour dessiner un personnage de bande dessinée, il faut commencer par son corps et il existe une méthode facile à utiliser pour respecter les proportions.

C’est la technique du personnage bâton !

Pour dessiner un corps humain facilement, on commence par dessiner le squelette, dit « personnage bâton ». Pour cela, il suffit de tracer les différents membres de l’anatomie sous la forme de traits et de ronds.

Les ronds représentent les articulations.  

Dessiner le squelette du personnage avec des bâtons.

Commencer par tracer une ligne verticale qui représente la colonne vertébrale du personnage.

Le corps humain comporte 8 longueurs de tête incluant la tête elle-même.

Décomposer la ligne en 8 segments de même taille.

• Le segment supérieur de cette ligne représente la tête.
• Le second segment comporte le cou et les pectoraux.
• Le troisième segment représente le ventre jusqu’au nombril.
• Le segment suivant représente le nombril jusqu’à l’entrejambe.
• Les deux segments suivants représentent les cuisses.
• Enfin les deux derniers segments représentent les genoux et les pieds. 

L’avantage de la méthode bâton est qu’elle permet de dessiner en deux ou trois dimensions assez facilement.

Pour la largeur du corps humain il faut compter deux têtes.

Attention à bien considérer que l’anatomie du corps de la femme et de celui de l’homme diffèrent légèrement dans les proportions !

Dessiner les volumes du personnage de BD

Une fois que vous obtenez le personnage sous la forme d’un squelette, il est alors temps de lui donner du volume.

Il suffit d’ajouter l’épaisseur sur les traits des membres : bras, avant-bras, cuisses, jambes. Ajouter aussi l’épaisseur pour le corps : poitrine, ventre, bassin.

Le but de cette étape est de dessiner une silhouette ayant l’apparence d’un corps lorsque l’on est débutant.

Au début, les proportions sont inégales, notamment au niveau des bras, des jambes et des pieds, avec en plus des angles étranges entre les membres.

Ajouter des détails à votre personnage de bande dessinée

Maintenant que vous disposez d’une silhouette de personnage, il est temps d’esquisser des détails pour le rendre plus réaliste. Pour cela vous devez vous entraîner à dessiner chaque membre du corps humain : muscles, poils, os saillants, veines, graisse…

Chaque partie du corps à ses codes, une forme bien précise.

Quand vous connaissez le dessin de personnage nu, il est désormais temps de les habiller. Il faut apprendre à dessiner les vêtements : la chemise, le pantalon, les chaussures…

Pour rendre le personnage unique, vous pouvez lui ajouter des accessoires comme un parapluie, des lunettes, un chapeau, un sac …

Lorsque vous maîtrisez le dessin du corps humain et des vêtements, alors vous pouvez ajouter des ombres pour rendre le personnage plus vivant et réaliste.

Comment dessiner un personnage en mouvement ?

L’étape finale de la création d’un personnage de bande dessinée est la mise en situation et le dessin des mouvements. 

Les principales erreurs des dessinateurs débutants sont de dessiner des personnages statiques.

Il faut bien distinguer les différentes postures et les déplacements du personnage. Est-il droit, assis ou en mouvement ?

À nouveau, il faudra réutiliser la méthode du dessin bâton pour simplifier la création du personnage dans des positions de trois quarts. Le dessin de perspective apporte du dynamisme et du réalisme au personnage. 

Pour créer des postures et des mouvements différents, il faudra jouer sur la ligne verticale de la colonne vertébrale en l’inclinant par exemple en forme de S. 

Un personnage qui court a une colonne vertébrale légèrement courbée.

Au niveau des bras et des jambes, il est important de dessiner le personnage au plus proche de la réalité. Un personnage qui court a son bras droit devant lorsque sa jambe droite est derrière. 

Les pieds d’un personnage qui marche sont collés au sol alors que ceux d’un personnage qui court peuvent être en l’air.

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Apprendre le dessin

Tout savoir sur le neuvième art : Apprendre le vocabulaire de la BD.
Apprendre à dessiner des bulles BD.

L’article Comment dessiner un personnage de bande dessinée ? Dessin personnage est apparu en premier sur Dessin humoristique.

Et si je vous disais que c’est possible de créer une BD originale et à partir de rien ?

Découvrez mes services pour créer une BD personnalisée !
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« Mille millions de mille sabord, bachi-bouzouk, moule à gaufres »

Célèbre tirade du capitaine HadDock par Hergé le dessinateur de Tintin

L’histoire du dessin BD et de la création de bande dessinée.

Il existe différentes sortes de BD sur le marché : au Japon, on parle de mangas.

Aux États unis, c’est la BD réaliste qui a fait fureur avec l’apparition des comics, Comix Captain América et autres Marvel ! D’abord en noir et blanc, elle s’impose dans les magazines et les journaux puis dans des quotidiens et même sous la forme de dessins de presse politiques, satires et caricatures.

Ludique et plus économique que le dessin animé, lire et faire une bande dessinée devient une mode !

En Europe, la création de bande dessinée s’est rapidement imposée grâce à des auteurs de génie comme « Franquin », « Hugo Pratt » et des maisons d’édition et journaux comme « Spirou » ou « Pilote ». On parle de ligne claire et de BD franco-belge.

Certains héros sont devenus culte comme Lucky Luke, Titeuf ou Gaston Lagaffe !

Quant au marché de la BD française, il représente plusieurs millions d’exemplaires vendus chaque année. De plus l’histoire continue en 2020, puisque les bédéastes sont de plus en plus nombreux et imaginatifs comme le prouvent les web comics et les plateformes de lecture en ligne.

Vous pouvez d’ailleurs découvrir une BD en ligne.

Créer une BD et dessiner des histoires avec le neuvième art.

Parmi les nombreux arts comme la peinture, la littérature, la poésie, le théâtre, la photographie, le cinéma ou les dessins animés, la bande-dessinée tient une position unique.

Chez les bédéphiles on parle de neuvième art car c’est le seul livre qui cumule l’image et les lettres de la littérature.

Chaque année, de nombreux enfants apprennent à lire avec la BD. C’est notamment le cas de l’auteur « Riad Sattouf » qui le raconte dans « L’arabe du futur ». « Le crayonné transmet très facilement des émotions et des images contrairement aux livres et aux romans. »

Mais puisque l’on parle de pédagogie, comment faire une BD ? Découvrez les bases en consultant le vocabulaire BD.

Les bases pour créer une bande dessinée et écrire un scénario

Tout comme on écrit un livre, on débute par une idée. Toutefois, avant de retranscrire cette histoire sous forme d’images, il va falloir écrire le synopsis et une courte présentation pour construire un scénario.

Vous souhaitez en savoir plus le scénario ? Je vous invite à découvrir cet excellent livre : L’anatomie du scénario

Écrire le dossier de présentation

Pour présenter son projet à un éditeur, s’auto-éditer ou simplement écrire un webtoon, écrire un dossier de présentation est un bon exercice.

Ce dossier permet de clarifier ses idées, de définir le thème de l’histoire et les différents axes de narration et de répondre à la question :

• Quel est le message à communiquer ?

Le thème de la BD, une étape à respecter

Faire une bande dessinée, c’est choisir un sujet qui déterminera votre lectorat.

• A qui s’adresse l’œuvre, qui sont les lecteurs visés ?
• Est-ce une histoire réaliste coquine ou sérieuse pour adultes ? Ou une histoire drôle et humoristique pour enfants ?
• Créez-vous une œuvre historique ? Une biographie, une histoire d’amour, une BD éducative et ludique ?
• Écrivez-vous une aventure graphique de science-fiction et de pur divertissement ?

Si vous écrivez une bande-dessinée comique, quels sont les traits d’humour que vous utiliserez ? Le sarcasme, l’ironie ou l’humour noir ?

Si vous écrivez une histoire d’amour, quelles sont les leçons apprises sur l’amour ?

En bref, décrivez le sens de l’œuvre et le message de l’auteur.

Le cadre de référence

Le cadre apporte des informations sur le lieu et l’époque où l’histoire se passe.

Cette étape descriptive plante le décor et précise si la BD est en noir et blanc ou en couleurs.

• Quel est le style, simpliste, caricatural, cartoonesque, réaliste et détaillé ?
• Dans quels pays, régions, département, ville se déroule l’histoire ?
• À quelle époque ?

Exemple de cadre : L’histoire se passe en 2151 à bord du vaisseau mère d’une flotte extraterrestre.

Les personnages et le héros

Comme les acteurs d’un film, les personnages sont omniprésents, donc le mieux est de les décrire au maximum dès le début. Les personnages sont dotés d’une personnalité, de caractères et ont des routines qui permettront au lecteur de s’immerger.

Exemple : Jean-Jacques Buisson, 49 ans, ancien militaire et aujourd’hui commissaire de Police en périphérie de Paris, refuse catégoriquement les nouvelles technologies. Tout se passe bien au bureau jusqu’au jour où son service se digitalise.

• Qui sont les personnages et quelle est leur histoire ?

Une autre manière de donner vie à ses personnages est d’ajouter des dialogues succins traduisant un état émotionnel et des caractéristiques psychologiques.

Cet article pourrait vous aider : Apprendre à dessiner un personnage

Le fil conducteur

Le fil conducteur mène l’histoire et donne envie au lecteur de poursuivre. On parle aussi de fil d’Arianne ou de quête du héros. C’est son objectif, son obsession, sa passion.

• De quoi parle l’histoire et quelle est l’intrigue ?
• Comment les personnages se rencontrent-ils ?

La mission du héros peut être :

– simple comme pour « L’as de la vente » (le héros de ma BD en ligne) qui souhaite vendre des aspirateurs.
– plus complexe comme pour les Marvels et les histoires de super héros.

Le ton de la narration

Tout d’abord, le ton de la narration et de la BD permet de définir l’ambiance ou l’atmosphère générale du récit.

• L’histoire est-elle glauque, niaise, humoristique ?
• Est-ce un thriller à suspens, sarcastique, satyrique, critique ?
• Il existe des milliers de combinaisons différentes pour rendre votre style d’écriture unique !

Les possibilités sont infinies et vous pouvez combiner un Far-West avec une histoire d’amour, une intrigue politique ou des ovnis.

Ensuite la narration joue un grand rôle pour donner le ton de l’histoire. Le ton s’exprime surtout par les dialogues, le niveau de langage des personnages et leur vocabulaire.

Finalement, les éléments graphiques influencent aussi le ton.

• Les traits sont-ils brouillons ou nets ?

Trouver des idées d’histoires et de scénarios

La meilleure façon de trouver des idées de scénarios est de vous inspirer de votre quotidien.

• Comment trouver des idées d’histoires à raconter ?

La plupart des grands auteurs ont commencé par faire des autoportraits en personnage. C’est notamment le cas d’Hergé et de son célébrissime Tintin. En racontant sa propre histoire et notre quotidien, il devient facile d’apporter des détails pour enrichir la narration et magnifier le graphisme.

Trouver un style de dessin

En plus du scénario, le trait rend une création de BD unique. Chaque dessinateur de BD possède son propre style.

Quels sont les styles de dessin qui existent ?

• les mangas japonais sont réalistes, épurées et proviennent du Japon
• les cartoons et personnages aux proportions exagérées de nos dessins animés
• le dessin de presse est simpliste mais fort en sens. Les dessins de presse sont réalisés sur « un coin de table ».
• les caricatures politiques et les croquis s’appuient sur le texte pour dénoncer et exprimer des opinions
• la ligne claire ou célèbre style des BD franco-belges
• la reproduction réaliste se base sur l’observation de l’environnement, des proportions, des ombres et lumières
• les célèbres comics de super-héros
• les illustrations pour enfants…

Choisir le meilleur format

Il existe plusieurs formats de bandes-dessinées mais il n’y a pas d’obligation. On identifie pourtant plusieurs grands formats de dessin standards comme :

Les dessins uniques – Ils se suffissent à eux-même comme « Le Chat » de Geluck. Ce format est utilisé pour l’humour et la comédie. Les gags peuvent être soit visuels avec un graphisme fort, soit accompagnés d’un court dialogue de quelques mots, phrases ou bulles. C’est le cas des dessins politiques et des dessins de presse en une ou deux case(s).

• les comic strip sous la forme d’une bande d’images. On en trouve de plus en plus sur les réseaux sociaux sous formats de webcomics. Il s’agit en fait d’une séquence de 2 à 6 images qui rend la production abordable.

• Les pleines pages offrent la plus grande liberté de création et permettent de travailler sur 3 ou 4 lignes et sur 1 à 5 colonnes. Plus il y a de cases, plus il y aura de contenu à écrire et plus le dessin sera petit et moins détaillé. Les pleines pages sont réservées pour les histoires élaborées.

Le nombre de pages et les dimensions du livre

Il n’existe pas à proprement de règles, toutefois le format standard varie entre un A4 et un format 24 cm sur 32 cm pour une bédé traditionnelle et un format A6 pour un manga.

Généralement, on trouve régulièrement des bandes-dessinées à partir de 46 pages allant jusqu’à 64 voire même 80 pages.

La norme sur le format d’un ouvrage

Aujourd’hui, en Europe, la norme est aux grands albums d’une dimension de 24 cm de large par 32 cm de haut. Cependant, pendant des années, le standard franco-belges était de 46 pages.

Les étapes de création d’une BD

1. Créer des personnages.
2. Écrire un script, un scénario et des dialogues.
3. Imaginer la mise en page.
4. Dessiner les cases, les bulles, les perspectives, les décors et l’action.
5. Encrer et gommer le crayon de papier.
6. Numériser, nettoyer et colorer la planche.

PS : Pour les illustrateurs en herbe et les passionnés de dessin, je propose un atelier BD, afin d’apprendre des techniques de dessinateur professionnel.

Dessiner un personnage de BD !

Pour un film ou un roman, il vous faut un héros et des personnages, c’est pareil pour la BD. Idéalement, le personnage doit naître dans votre esprit, toutefois, vous pouvez laisser votre crayon s’exprimer.

Le personnage a été dessiné plus de 200 fois dans différentes positions, expressions, situations, pour que son trait s’affine et se précise.

Il est intéressant pour la suite de définir des proportions et de s’entraîner à les reproduire en quelques secondes à toute heure de la journée.

Vous pouvez vous inspirer de personnalités publiques, de photos de proches et même d’autre auteurs d’œuvres littéraires et dessinateurs de tout temps. Mais attention au plagia !

La création de héros et de psychologies mémorables mérite à elle seule un tutoriel complet. C’est pourquoi, je vous invite à découvrir cet article pour apprendre à concevoir des personnages de BD.

Quel que soit votre niveau, des notions d’anatomie, d’ombrage, de proportions et de perspective apporteront un meilleur résultat à vos créations.

Astuce : Pour inventer des personnalités uniques, il suffit de concevoir des formes originales comme une balle de rugby, une poire ou un œuf permettant de dessiner une forme de visage originale.

Découvrez ce tutoriel de dessin de visage Manga !

Écrire le script de chaque page

Écrire un script permet de situer l’histoire et de retranscrire les objectifs de la page et de chaque scène.

Le scénariste résume une page en quelques lignes. Cela permet d’expliquer la séquence dans la chronologie de l’histoire. À ce stade, il faut prévoir une ligne pour décrire l’ambiance et une autre pour l’émotion ressentie par le protagoniste.

• Où se déroule la scène ? Dans quelle ville et quel pays ? À quelle heure de la journée ?
• Que ressent le héros, quel est son état d’esprit ?

Le script prend la forme d’une suite de phrases séparées décrivant chaque page et chaque case. Généralement, on y écrit dialogues et bulles. Mieux vaut écrire des textes précis et concis qui rentreront dans la bulle de bande dessinée.

Écrire un script peut prendre du temps et je vous conseille de laisser reposer le premier jet pour le relire et l’améliorer plus tard.

Un gros avantage du script est qu’il permet de corriger les fautes d’orthographe !

Attention à bien trouver le bon équilibre entre le texte et l’image. Un croquis vaut mieux qu’un long discours. Surtout en BD !

Le storyboard ou la création du scénario image

Le Storyboard ou « mise en page de la BD  » marque le début de la création de BD.

• Qu’est-ce que le « storyboard » ?

Le découpage

Le storyboard débute par le tracé des vignettes et découpe l’histoire en différents plans, cadres et séquences, ce qui donne un aperçu de l’action et de son déroulement.

On ajoutera parfois les textes dans les boîtes et les bulles de pensées ou de dialogue.

On peut aussi représenter :

• l’expression et la position du personnage dans le décor,
• les perspectives (ligne d’horizon, point de fuite et les perpendiculaires),
• les proportions des caractères,
• les ombres et des détails…

Astuces : Partagez le scénario avec votre entourage pour connaître leur ressenti.

Dessiner des cases de BD – Mise en page

Il faut commencer par choisir le nombre de lignes et de colonnes que comportera la page. Pour les débutants, il sera plus simple de commencer par des formes symétriques comme le gaufrier en 3 cases de hauteur sur 2 de large sur une feuille A4.

La taille des cases n’a pas d’importance sur une planche de BD. Toutefois en variant les dimensions des rectangles, on peut obtenir des impressions intéressantes.

• De grandes et longues vignettes pour les plans éloignés
• De plus petites cases parfois décalées ou superposées pour les actions et les gros plans

Ébaucher plusieurs rectangles pour visualiser le déroulement de chaque scène.

Astuce : On commence par réserver les espaces de texte de la narration et les bulles. Ensuite, on place les lignes de fond et points de fuite. Enfin, on dessine le(s) personnage(s) en fonction des différents plans puis les détails et décors.

Le sens de lecture et la cohérence

Les yeux du lecteur de BD se déplacent de haut en bas et de gauche à droite. C’est pourquoi il est indispensable de respecter les règles de mise en scène :

• Vérifier que l’histoire se lit bien de gauche à droite.
• Dans une case, les bulles hautes sont les premières à être lues.
• L’emplacement des protagonistes varie selon leur ordre de parole dans l’histoire.
• Vérifier ensuite l’ordre des cases pour obtenir une bonne fluidité de lecture et une compréhension du scénario.

Les dialogues et les textes de la BD

Pour raconter l’histoire on peut disposer le texte de plusieurs manières, à savoir :

• Le titre : dans le cas de comicstrip il est possible de retrouver un ou plusieurs titres sur chaque page.
• Les cadres de narration sont des espaces permettant au narrateur de poser le décor et d’apporter des précisions supplémentaires pour décrire la scène.
• Les bulles de bandes dessinées sont rondes pour les dialogues, en nuages pour les pensées, entourées de pointes pour un figurant qui crie ou entourées de fleurs pour une parole délicate.
• les bruitages et onomatopées apportent aussi des détails à l’action. C’est le cas des pistolets, des téléphones, des sonnettes et des tondeuse.
• les astérisques apportent un complément d’information sur une référence historique ou humoristique.
• des textes en dehors des bulles pour leur donner plus de poids.
• le décor : rajouter des textes dans les décors sur une affiche ou un panneau pour enrichir les vignettes.

Il y a une multitude d’utilisations pour les textes en bande-dessinée.

Choisir et utiliser les bons plans et cadrages

• Quels sont les plans et leurs spécificités ?

Comme dans les dessins animés, il existe un certain nombre de plans présentant chacun leurs spécificités.

• Le plan d’ensemble est un plan éloigné pour poser le décor en apportant des informations sur la scène et le cadre. Il s’utilise en début de séquence pour situer la scène.
• Le plan général présente l’ensemble des protagonistes d’une scène en attirant l’attention sur des éléments graphiques comme le décor, l’environnement.
• Le plan moyen fait passer le décor en second plan et centre l’action sur les personnages. L’action reste floue au profit d’un cadrage large.
• Le plan rapproché porte l’attention sur le héros et donne plus de poids à l’action. Sur ce plan, le bonhomme est coupé au niveau de la poitrine. On l’appelle parfois plan américain.
• Le gros plan met l’accent sur l’action et sur les expressions du personnage. C’est un plan « psychologique » utilisé pour les scènes d’émotions car on peut forcer et déformer les traits du visage.
• L’avant-plan et l’arrière-plan apporte un effet de profondeur à l’action, notamment dans les dialogues.
• Le plan de dessus et de dessous sont utilisés dans le cadre d’un homme très petit ou très grand. Par exemple, pour le regard d’un enfant.
• Les plans de face, de profil et de trois quarts.

Le crayonnage – Dessiner une BD

Le crayonnage est la première étape de production. Vous pouvez dessiner sur une feuille blanche ou tout crayonner sur une tablette graphique.

Le papier dessin et le format

Pour débuter, il faudra s’équiper d’une feuille de papier. Vous pouvez utiliser du papier Canson, mais personnellement je travaille sur du papier standard d’imprimante en 80 ou 100 grammes.

Généralement les auteurs de BD traditionnels dessinent sur un format A3, A2 ou A1.

Astuces : Pour produire sur du A3, vous pouvez travailler sur deux feuilles A4 horizontales, cela facilite la numérisation. L’avantage de travailler sur le double de la taille est d’obtenir un très haut niveau de détail.

Si vous êtes amateur de comic strip, je vous recommande de débuter sur un format A4 en paysage.

Le matériel de dessin

Pour commencer à dessiner la BD, je vous recommande :

• Des crayons de papier et critériums de différentes épaisseurs allant du 0.05 au 0.4 mm pour les détails, les protagonistes, les plis des vêtements, etc… et du 0.5 au 0.7 mm pour peindre les gros plans, les titres, les cases et les textes.
• Des stylos noir type Stadler, Rotring ou Micron de mêmes épaisseurs que les crayons ci-dessus.
• Une bonne gomme que vous pourrez couper avec un opinel pour gommer avec une grande précision et obtenir des bouts propres.
• Une règle de 40 cm, une équerre et un compas.
• Un taille-crayon.
• Du scotch pour fixer la planche lors du gommage.
• Du papier calque pour vérifier les proportions et dupliquer les éléments de décors répétitifs.
• Des feuilles de brouillon.
• Des supports visuels pour avoir des modèles et sources d’inspiration.

Vous pouvez aussi ajouter vos accessoires préférés comme la mie de pain, les crayons bleus de construction, la plume, les pinceaux et l’encre de chine.

Structurer la page de bande dessinée

Tracer les cases et les vignettes.

La première phase consiste à délimiter une marge d’environ 1 cm autour de la feuille, puis à tracer les cases en créant des lignes et des colonnes de plus ou moins un centimètre.

Astuces : Vous pouvez utiliser un espacement plus étroit entre les colonnes et plus large entre les lignes.

Positionner les éléments dans les vignettes

Les proportions des silhouettes

Commencez par tracer légèrement les silhouettes, puis l’emplacement des bulles de textes et les décors.

Vous pouvez tracer un homme bâton pour obtenir les proportions idéales puis tout gommer pour recommencer. La marque qui restera sur la feuille est ce que l’on appelle le fantôme du dessin.

Astuce : Le fait d’appuyer légèrement sur le crayon permet d’éviter les traces après un gommage et une correction.

Dans le cas où vous utilisez une tablette graphique, il suffit de scanner la page, d’ouvrir un logiciel de graphisme et de repasser par-dessus le calque du brouillon (en réduisant l’opacité du modèle).

Bulle de bande dessinée et cartouche

Positionnez ensuite les boîtes de narration dans chaque case, puis les bulles pour les dialogues et les pensées des héros. Vous pouvez évidemment générer les bulles informatiquement, mais personnellement j’aime encore travailler à la main.

Lignes de fond, décors et perspectives

Poursuivez en ajoutant une ligne de fond, un point de fuite et tracez les perspectives puis les éléments principaux du décor et enfin les décors le squelette du personnage.

Tracer les détails et repasser le trait final à l’encre.

Le dessin des détails et les proportions.

Une fois les esquisses des figures et des décors créés, il est facile d’ajouter des détails. Le trait de construction facilite le respect des proportions. De plus ça évite les ratures et les gommages répétitifs.

À ce niveau, on procède au lettrage. On ajoute le texte dans les bulles et les boîtes de narration. On tire des lignes pour conserver une taille d’écriture homogène et on s’applique pour le tracé des lettres. (Certaines personnes préfèrent ajouter les textes informatiquement).

Astuce : Pour ma part j’écris mes textes à la main avec un espacement de 3 mm pour la police et un interligne de 1 MM.

L’encrage et le repassage au stylo noir.

Une fois satisfait du graphisme, il est temps de repasser les traits à l’encre, c’est l’encrage.

Personnellement, je repasse tous mes traits à l’aide de stylos Staedler.

On utilise différentes tailles de pointes en fonction du niveau de détails que l’on veut obtenir.

• Le stylo de taille 0.4 sert à repasser les textes.
• Un 0.5 sert à repasser le cadre.
• La pointe plus fine 0.1 permet d’encrer les protagonistes et le décor sur les grands plans.

Astuce : Les meilleures dessinateurs utilisent la plume ou le pinceau pour donner différentes intensités au trait ainsi que de la profondeur. C’est aussi de cette manière que l’on obtient les pleins et les déliés.

Astuce : L’utilisation des hachures pour le remplissage de zones donnera un effet de contraste, de profondeur ou d’ombres et lumières.

Après l’encrage, il est désormais temps de gommer le crayon de papier pour voir apparaître le trait final.

4. La numérisation de la BD – Coloration et peinture

Auparavant, les BDs étaient peintes à la main à l’aide d’encre de chine, de l’acrylique ou de gouache. Toutefois, aujourd’hui, les logiciels ont considérablement facilité la tâche des bédéistes.

Scanner les planches de bandes dessinées

Maintenant que le trait final est encré, il est temps de numériser l’œuvre. Pour cela il faut un ordinateur et un scanner. On positionne la planche dans le scanner et on numérise à partir de 600 DPI pour conserver la qualité de chacun des traits.

Il est possible de scanner uniquement les noirs et blancs ce qui fera gagner du temps au nettoyage.

Si la BD est trop grande pour être scannée, on peut la numériser en plusieurs fois et la recomposer plus tard informatiquement.

Astuce : Bien secouer la feuille pour ne pas laisser de bouts de gomme dans le scanner.

Nettoyer la planche des impuretés

Une fois scannée, il est temps de nettoyer la page. Pour cela on utilise des logiciels de traitement d’images comme Photoshop, un logiciel de graphisme payant.

Les logiciels de graphisme et de traitement d’images GRATUITS

• Si vous disposez de connaissances limitées en informatique, je vous recommande Photofiltre, un logiciel gratuit et simple d’utilisation.

• Dans le cas où vous disposez d’une tablette graphique et de notions de traitement d’images, je vous conseille de télécharger le fantastique logiciel open source « Krita« .
• Si vous souhaitez vectoriser votre œuvre et lisser les traits, vous pouvez utiliser la vectorisation sur Inkskape puis exporter le rendu !

Je vous invite également à découvrir un projet de webcomics extraordinaire démontrant le potentiel du logiciel Krita.

Quels sont les outils pour nettoyer la planche sur Photofiltre ?

Sur Photofiltre, pour obtenir une belle planche en noir et blanc, j’utilise les outils :

• sélection ou lasso pour supprimer les tâches noires.
• pinceau pour bien fermer tous les traits.
• gomme pour effacer les contours imparfaits.
• opacité et contraste pour faire ressortir les noirs et faire disparaître les gris. (Attention à ne pas en abuser pour conserver la qualité de l’image).
• vectorisation pour purifier le trait. (Non disponible sur photofiltre).

Astuce : Je vous recommande vivement de bien fermer les traits et d’obtenir une planche en noir sur blanc la plus contrastée possible.

Les couleurs, comment colorer une page ?

A moins que vous ne préfériez les BD en noir et blanc, il est désormais temps de la peindre ou colorer.

Vous pouvez colorer une page avec des feutres, de la gouache, acrylique, des crayons de couleurs et obtenir de très bons résultats.

Pour ma part je vous invite à colorer les planches toujours avec le logiciel Krita.

La palette de couleurs

Pour commencer, il faut se constituer une palette de couleurs pour conserver les mêmes teintes d’une page à l’autre. Cette palette sera créée au fur et à mesure de votre avancée et de vos goûts.

Coloration sur photofiltre

Sur Photofiltre, on utilise l’outil pipette pour choisir la couleur et le pot de peinture pour colorer une zone.

On peut jouer sur la tolérance du pot de peinture que je vous recommande de monter à 90 pour bien colorer chaque partie. De plus, vous pouvez utiliser l’opacité du pot de peinture et du pinceau pour fabriquer des effets d’ombre.

Les calques et la coloration sur Krita

Sur ce logiciel, je commence généralement par générer plusieurs calques, un Background blanc, un calque pour les cases, un autre pour les bulles et dialogues, un calque pour le graphique, un nouveau pour les ombres et finalement un pour la couleur.

Les ombres et la transparence des calques

A l’aide du pot de peinture ou du pinceau, remplissez chaque zone. Vous pourrez ainsi susciter des effets d’ombre et lumière par transparence en ajoutant des touches de noir et gris sur le calque des ombres, puis en jouant sur l’opacité et la transparence.

Remarques : Je vous conseille d’équilibrer vos planches au niveau des couleurs en utilisant toujours les 3 couleurs primaires et en jouant sur les complémentaires.

Astuce : Assurez-vous d’équilibrer les couleurs entre couleurs vives et pastel.

Images de la roue des couleurs et des complémentaires.

7. La mise en page de la BD et l’édition

Félicitations vous avez terminé la création ! Il ne vous reste plus qu’à la mettre en page et l’imprimer.

Vous travaillerez peut-être en auto-édition ou avec une maison d’édition. En tout cas, les dernières phases prennent du temps et peuvent s’avérer plus techniques qu’aux premiers abords.

Le chemin de fer et l’imprimeur

On appelle « chemin de fer » la disposition globale du livre. C’est un document qui présente l’ordre des pages pour l’imprimeur.

Le chemin de fer est un document professionnel positionnant chaque planche (A4) sur le papier à imprimer. Les pages sont imprimées au format SRA3 (45×32) qui sera coupé au format A3 plié et broché.

L’imprimeur s’occupe de l’impression, du pelliculage et de l’assemblage de la BD.

Découvrez quelques vidéos : le travail de l’imprimeur

Pour réaliser la disposition, préférez InDesign, un des outils les plus aboutis compatibles avec les logiciels de l’imprimerie.

Astuce : Une BD compte environ 46 planches plus la 1re, 2e, 3e et 4e de couverture.

Edition et administration

Publier une BD en autoédition nécessite une déclaration auprès de l’URSSAF pour vendre le livre et un numéro ISBN pour être déclarer dans les répertoires nationaux.

Ensuite, il ne vous reste plus qu’à vous rendre chez les libraires et négocier, le nombre de livres que vous déposerez et la commission que vous leurs accorderez.

Astuce : Pensez bien à imprimer un bon de dépôt pour votre librairie et vous-même. Cela vous aidera à suivre les comptes.

Diffuser une BD et se faire connaître.

Vous êtes chanceux, il existe de nombreuses manières de faire connaître son travail aussi je vais vous en présenter quelques-unes :

• Les formats papier avec la presse, les journaux, magazines, revues thématiques.
• L’affichage et la publicité des entreprises, les infographies, les catalogues et documents commerciaux…
• La presse numérique, les blogs et le format webtoons.
• Les réseaux sociaux.
• Des livres pour enfants.
• Les expositions et vernissages.
• Des ateliers et interventions pédagogiques.
• Les concours organisés par les maisons d’édition, les journaux et les plateformes de lecture en ligne.
• Des salons du livre, festivals et manifestations culturelles liées aux neuvième art.

Télécharger le guide gratuitement !

TÉLÉCHARGER L’E-BOOK

Conclusion sur ce tutoriel

Je suis très heureux de vous avoir présenté cette technique de création graphique. Je l’ai personnellement utilisée pour produire une aventure exclusive en web toon et livre papier.

Aujourd’hui, les panneaux que vous avez pu voir dans l’article sont exposés dans des centres de loisirs.

Si cet article t’a plu, je vous invite à me suivre sur les réseaux sociaux.

Je remercie Pascal Regnaudin qui m’a enseigné ses techniques de composition et d’utilisation des logiciels d’illustration et de graphisme pour dessiner des BDs.

Les coulisses d’un auteur, plus de 1500 heures de travail

• Exposition été 2020 au Polyèdre à Seynod
• Présentation en janvier 2020 à la MJC d’Aix-les-Bains –
• Exposition d’avril à juin 2020 à la MJC de Cran Gevrier

Merci d’avoir suivi de ce tutoriel de dessin ! Pour en savoir plus et apprendre à dessiner, vous pouvez découvrir nos cours de dessin !

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Le festival de la bande dessinée d’Aix-les-bains !

Pour donner un maximum de chance à ce lancement, un stand a été réservé sur le marché des créateurs au 1er festival de la bande dessinée d’Aix-les-bains « BD sur le lac » !

Dans le cadre du lancement de ce festival, « Course de Rats BD » est apparu dans la presse lors de l’apéro des créatifs à l’espace de Coworking d’Aix-les-bains.

Course de Rats – L’As de la vente :

Pour celles et ceux qui découvrent ce projet, l’As de la vente est un projet de BD sur la thématique de l’entreprise. Une bande dessinée composée de courts gags d’une ou deux planches. Chaque planche met en lumière un point spécifique du métier de commercial.

Plein feu sur les commerciaux et le métier de développement d’affaires !

Au programme mailing, phoning, prospection, rendez-vous clients, devis, contrats et gros sous !

L’histoire met en scène un vendeur d’aspirateur au sein d’Aspira 2000, la célèbre entreprise de nettoyage.

Auto édition de la bande dessinée !

Comment auto-éditer une BD ? c’est un gros challenge, surtout quand on est pas de la partie ! Mais quand on veut on peut ! Aussi je vous propose une synthèse des étapes de la création d’une bande dessinée !

1 – Création du scénario des personnages…

2 – Croquis, storyboarding, couvertures.

3 – Dessins et scénario !

4 – Encrage, gommage, nettoyage et colorisation.

5 – Création d’un statut d’auto-entreprise sur le site de l’URSSAF.

6 – Commande d’un numéro ISBN et création d’un code barre.

7 – Chemin de fer de la maquette et validation du BAT (bon à tirer) chez l’imprimeur.

8 – Impression, pelliculage, reliure.

9 – Promotion et vente !

Remerciements :

Je remercie plusieurs personnes qui m’ont aidé pour que ce projet BD voit le jour :

Esther – Graphiste à l’imprimerie « Extra bleu ciel » pour son implication de chaque jour, son soutien son aide sur chaque planche depuis le début du projet et pour la mise en page finale !

Charlotte – Youtubeuse avec la chaîne Tutolife pour ses encouragements, son œil aiguisé pour l’orthographe et son esprit critique bienveillant.

Martine – Conseillère à la CCI de Chambéry pour ses conseils dans le choix du statut, l’accompagnement et les encouragements !

Lucas – Patron à l’imprimerie Extra bleu ciel pour les coups de pouces !

Véronique – Ma mère, pour les corrections finales et son infinie patience !

Quentin – Auteur de la BD Handman pour ses conseils et sa vision positive !

Mes amis Jordan, Etienne, Cédric pour les nombreux partages et leur enthousiasme à toute épreuve pour ce projet BD !

Tous les fans sur les réseaux sociaux !

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• Comment dessiner un personnage de bande dessinée ?
• Découvrir le vocabulaire BD
• Comment faire une BD

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